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Baba Anand

2007-11-20T02:52:00.003-08:00

Né en 1961 à Srinagar, Cachemire. Vit et travaille à New Delhi. Baba Anand est un fils du Pop, l’héritier indien de Roy Lichtenstein et d’Andy Warhol, inspiré par les affiches bollywoodiennes comme ses pères par les bandes dessinées américaines. Pop, ces objets de la rue qu’il met en œuvre, les techniques qu’il emploie. Pop, sa tendance graphique, lorsque l’intervention cherche des lignes, des effets de cadrage. (Extrait de l’Art–Couture de Baba Anand, Jérôme Neutres)

Born in 1961, Srinagar, Cashmere. He lives and works in New Delhi. Baba Anand is a child of Pop Art, India’s heir to Roy Lichtenstein and Andy Warhol, drawing inspiration from Bollywood posters the way those forebears did from American comics. The street objects he picks up on, the media he uses are Pop. His graphic leanings are Pop when his manipulations go for effects of line and framing. (Extract from The Couture Art of Baba Anand, by Jérôme Neutres)

Baba Anand

2007-11-20T02:52:00.001-08:00

Sakti Burman

2007-11-20T02:39:00.001-08:00

Né en 1935 à Calcutta. Vit et travaille à Paris. Peintre virtuose Sakti Burman par son mélange de couleurs complémentaires, de textures diverses et de détails décoratifs nous offre un pays de rêve, un monde sans conflit. Ses peintures dépeignent des chérubins et arlequins, des nus sensuels et des divinités aussi bien que des personnages engagés dans des activités mondaines. Les éléments disparates, arrangés sans apparente logique, suggèrent les rêves. La palette de Sakti nous enchante, le style et la composition peuvent rappeler la tapisserie française ou les fresques italiennes médiévales.

Born in 1935, Calcutta, India. Lives and works in Paris. In a word the virtuoso painter Sakti Burman by his blend of complementary colours, varied textures and decorative details holds out to us a dream world of harmony, a world free of conflicts. His paintings depict cherubic children and harlequins, sensuous nudes and mythical divinities as well as people engaged in mundane activities. These disparate elements are set in arrangements that are devoid of logic and suggestive of dreams. Sakti’s palette delights us, the style and composition may remind one of French tapestry or medieval Italian frescoes.

Ahmed Shahabuddin

2007-11-20T02:26:00.001-08:00

Ahmed Shahabuddin est né au Bangladesh en 1950, il vit et travaille à Paris. Élu en 1992, l’un des 50 Maîtres de l’Art Contemporain, récompense accordée lors de l'Olympiade des Arts à Barcelone, il a largement expose ses travaux à travers le globe. Le souci principal des peintures de l’artiste est de refléter la vie contemporaine. Dans leur dynamisme, ses toiles dépeignent des personnages intrépides qui passent à travers les difficultés de la vie, la vibration et la force de sa facture mettent en évidence cet aspect. Ses compositions sont incontestablement musicales et rythmiques.

Born in Bangladesh in 1950, Ahmed Shahabuddin lives and works in Paris. In 1992 he is one of 50 Master Painters of Contemporary Arts, an award bestowed on him at the Olympiad of Arts, Barcelona, he has shown his works extensively across the globe. The primary concern of his paintings is to reflect the contemporary life and times. In their dynamism his paintings depict fearless human figures that cut through the difficulties of life. The vibrancy and force of his brushwork highlight this aspect. His compositions are unmistakably musical and rhythmic.

Rajendra Dhawan

2007-11-20T02:22:00.000-08:00

Né à New Delhi en 1936, Rajendra Dhawan a étudié à l’Ecole des Beaux-Arts de Paris de 1953 à 1960. Il vit et travaille à Paris. Sur la toile, une épaisse zone noire se diffuse avec sensualité avant de se métamorphoser en une version opaque d’elle-même qui fusionne alors avec le vert et le blanc. Le brun, sur une autre toile emprunte son éclat à un centre rouge ardent. Si un coin de la peinture ressemble à un paysage, l'autre est un champ chromatique où des bruns presque transparents, des verts, gris et noirs fusionnent et se répondent. Dhawan est capable, comme le note Jean Dominique Rey, de rassembler “le monde essentiel par de larges formes abstraites et un nombre réduit de signes en conservant un effet de mouvement surréel.” (Jean Luc Chalumeau, Exposition Galerie Francois Mitains, Paris, 1990.)

Rajendra Dhawan was born in New Delhi in 1936. He studied at the Ecole des Beaux –Arts de Paris from 1953 -1960. He lives and works in Paris. A dense black area spreads out sensuously before turning into an opaque version of itself that merges with the green and white on the canvas. The brown on another canvas borrows its lustre from a red glowing centre. If one corner of the painting resembles a landscape, the other is a colour field where translucent browns, greens, greys and blacks merge with and react to one another. The way Jean Dominique Rey notes he is able to bring together, « the essential world through large abstract shapes and reduced number of signs while keeping the moving aspect of ite ver surreal. »
(Jean Luc Chalumeau, Exposition Galerie Francois Mitains, Paris, 1990.)

Jamini Roy

2007-11-13T10:11:00.001-08:00

Jamini Roy (1887-1972)

Alors âgé d’une trentaine d’année, Jamini Roy –après avoir étudié les maîtres de l’art moderne et exécuté dans ce but de nombreuses copies- se tourne vers l’art populaire et crée le style qui va lui valoir une reconnaissance nationale et internationale./…/ Son dégoût pour la ville européanisée de Calcutta l’aurait fait s’intéresser à l’art de la banlieue populaire de Kalighat /…/ afin de s’éloigner définitivement de l’influence néfaste de la métropole./…/Ainsi, l’intérêt de l’artiste bengali pour l’art pictural de la communauté santale se trouve placé en parallèle avec celui de l’artiste occidental pour l’art africain. /…/ Mais une différence essentielle le distingue de ces peintres : il est Bengali, né en milieu rural et n’ignore rien des fondements culturels des productions artisanales dont il s’inspire. /…/ La relation qui lie Jamini Roy aux peintures de bazar de Calcutta , n’est pas identique à celle, beaucoup plus formaliste, qu’établit Picasso avec l’art africain. /…/
PEINDRE AU BENGALE (1937-1977) Contribution à une lecture plurielle de la modernité, Nicolas Nercam (L’Harmattan).

Considérées comme trésor national, les œuvres de Jamini Roy présentes sur le territoire Indien sont interdites à l’exportation.

At the age of thirty, Jamini Roy, after having studied the masters of modern art and even made many copies of their work, turned to popular art and created the style that made his reputation nationally and internationally. His disgust for the Europeanized city of Calcutta apparently led the artist to immerse himself in the indigenous art of the popular suburb of Kalighat to distance himself definitively from the dangerous influence of the city. Thus, the interest of the Bengali artist in the pictorial art of the Santale population was similar to that of the Western artists in African art. But there is an essential difference. Jamini Roy was Bengali, born in a rural area, and very familiar with the cultural foundations of the craft productions that inspired him. The relationship that linked Jamini Roy to the bazaar painters of Calcutta was very different from the more formalistic relationship Picasso established with African art.
"PEINDRE AU BENGALE (1937-1977) Contribution à une lecture plurielle de la modernité", Nicolas Nercam (L’Harmattan).

Considered a national treasure, exportation of pieces by Jamini Roy located in India is forbidden.

Akbar Padamsee

2007-11-11T06:39:00.000-08:00

Né a Bombay, 1928
Vit et travaille à Bombay

L’un des peintres les plus illustres de son pays, Akbar Padamsee fut associé au révolutionnaire ‘Progressives Artists Group’ de Bombay. Dans sa quête du modernisme, fraichement diplômé de la prestigieuse J.J. School of Art de Bombay, il est comme quelques autres de ses contemporains, parti pour Paris de 1951 à 1967.
L’œuvre prolifique de l’artiste, emplie de paysages abstraits et de figures splendides dans leur solitude, s’étend sur plus de six décennies par des moyens aussi divers que l'huile sur toile, l'encre chinoise, le dessin, les films, la sculpture métallique, et la photographie.

Puisant son inspiration dans les quatre éléments naturels que sont l’eau, l’air, la terre et le feu, Padamsee nous offre une vision de la nature universelle, hors de tout temps et lieu.
Ainsi sur cette huile sur toile datée de 1964, l’artiste, par un habile travail de la forme, de l'espace et de la couleur, peint des vestiges d’arbres, de ciel, de terre et d’eau qui ainsi combinés expriment la grandeur du temps infini.

Akbar Padamsee. Born in Bombay in 1928, lives and works in Bombay.
One of the most famous painters of India, Akbar Padamsee was associated with the revolutionary "Progressives Artists Group" in Bombay. In his quest for modernism, after having graduated from the prestigious J.J. School of Art of Bombay he left for Paris where he lived from 1951 to 1967, like so many of his contemporaries. The artist's prolific oeuvre, primarily abstract landscapes and splendid solitary figures, extends over more than six decades in such diverse media as oil on canvas, India ink, drawing, film, metallic sculpture, and photography.

Drawing his inspiration from the four basic elements of water, air, earth, and fire, Padamsee offers us a vision of universal nature, outside all time and space. In this oil on canvas from 1964 the artist cleverly manipulates form, space, and color, painting vestiges of trees, sky, earth, and water that, combined, express the grandeur of infinite time.

Akbar Padamsee has had many solo and group shows during his long career in India and abroad (France, Japan, Great Britain, ex-USSR, Canada…)
Venice Biennale 1953&55, Sao Paulo and Tokyo Biennales, 1959.

Padamsee a de nombreuses expositions solo et de groupe au cours de sa longue carrière en Inde et a l’étranger (France, Japon, Angleterre, ex-Urss, Canada…)
Biennales de Venice 1953&55, Sao Paulo et Tokyo, 1959.
Seven Indian Painters’, Gallery One, London,1958; Japan-1959;
Gallery ’63, New York-1963; Indian Triennale, New Delhi-1968; ‘India: Myth and Reality-Aspects of Modern Indian Art’, Museum of Modern Art, Oxford-1981; ‘Contemporary Indian Art’, Festival of India, Royal Academy of Art, London-1982; ‘Artistes Indiens en France’, Foundation Nationale des Arts Graphiques et Plastiques, Paris-1985; Festival of India in U.S.S.R., Moscow-1987; ‘National Exhibition of Contemporary Art’, National Gallery of Modern Art, New Delhi-1991, ‘Ashta Nayak’, Tao Art Gallery, Bombay-2001. A retrospective showing of his works was organized by Art Heritage, New Delhi in New Delhi as well as in Bombay in 1980.

Récompenses:
Le Journal des Arts, Paris, 1952.
Gold Medal, Calcutta Fire Arts Society.
the award of the Lalit Kala Akademi, 1962
Nehru Fellowship, 1969.

Manish Pushkale

2007-11-11T06:20:00.001-08:00

Born in 1973, Bhopal, India .The repeating sequences in the paintings are akin to rapidly chanted mantras recited while telling the beads of a rosary. The squares and the mesh like texture constitute the beads of Manish’s rosary. However, like every chant of the same mantra is different in its candence and its experience, every form in his paintings is differently enriched with colour and energy. Every movement of the hand that tells the rosary moves into the irrevocable past and every new movement remains in the present. Every viewing of his paintings is similarly varied.

In his works Manish has tried to capture the resonance of the chanting, japa, and to visualize the auditory experience. Interestingly, the chant of the mantras or naam is not a public performative exercise but a private, introverted process, very much like the artistic process, recoverable in fragments to the viewer through the experience of repeated seeing. Perhaps one may try and understand Manish’s work by drawing on abstract artistic genres in other mediums such as dhrupada in music where the essence lies in the alaap, the rest is vistara. The painted surface is the essence; the constituent rudiments are the preceptory responses. As in other abstraction in Manish paintings it is the very processes of creation that explain the created object itself and its subjective relation to the outside”. Seema Bawa

Uday Shanbhag

2007-11-11T03:04:00.001-08:00

Uday Shanbhag, né en 1972 dans le Karnataka, a un background que l’on retrouve parfois, si ce n’est assez souvent, en Inde. Un parcours dense et varié. Après avoir obtenu un diplôme d’électricien, Uday Shanbhag entame des études artistiques qui vont l’amener de Bangalore à Ahmedabad en passant par Baroda. Comme beaucoup de ses compatriotes, grâce à l’obtention d’une bourse, il s’installe à l’étranger. Depuis 1999, Uday Shanbhag partage son temps entre l’Inde et la Hollande. Est-ce cette faculté de déplacement inhérente à la dimension de ce sous-continent ou une curiosité naturelle qui favorise dans l’art moderne et contemporain Indien une tendance, une vaine, que l’on qualifie, par mimétisme, de surréaliste ? L’idée de patchwork ou de rébus conviendrait mieux pour parler de la peinture indienne, en générale, et de la peinture de Shanbhag, en particulier. L’idée de patchwork correspond bien à la diversité culturelle, religieuse ou encore linguistique propre à l’Inde. Pour cette série d’œuvre réalisée à la fin des années 1990, Uday Shanbagh s’intéresse tout particulièrement aux recherches génétiques, clonage, congélation des embryons, etc., qu’il met en regard de concepts religieux, réincarnation, résurrection, déesse de la fertilité.

Uday Shanbhag, born in 1972 in Karnataka, comes from a background sometimes seen in India, although not often enough – a busy, complex career. After getting a degree as an electrician, Uday Shanbhag began his study of the fine arts, moving from Bangalore to Ahmedabad passing through Baroda. Like many of his compatriots, he moved abroad thanks to a scholarship. Since 1999, Uday Shanbhag has shared his time between India and Holland. Is it the faculty of displacement inherent in the size of this sub-continent or rather natural curiosity that encourages a trend among modern and contemporary Indian artists that one might qualify, mimetically, as Surrealist? The idea of a patchwork or rebus is perhaps more appropriate in speaking of Indian painting in general, and the work of Shanbhag in particular. The patchwork concept is very consistent with the cultural, religious, and even linguistic diversity so typical of India. In this series of works completed at the end of the 1990s, Uday Shanbagh is particularly focused on genetic research, cloning, freezing embryos, and so forth, all examined in the light of religious concepts such as reincarnation, resurrection, and the fertility goddess.

Thota Vaikuntam

2007-11-11T02:00:00.001-08:00

Thota Vaikuntam est une légende dans l'art contemporain indien. Ces captivantes figures sombres et denses représentant les femmes et les hommes Telangana, région intérieure de l’Andhra Pradesh particulièrement aride, sont devenus des icônes. La finesse de son travail pictural, héritage de l’art de la miniature, s’allie avec raffinement à une efficacité plastique générale de l’œuvre proche de l’art mural. Son art associe l’inventivité synthétique de l’art moderne à la simplicité attentive des arts populaires.

Thota Vaikuntam was born in 1942 in Andhra Pradesh, India. He has had over a dozen solo shows in Delhi, Mumbai and several cities in the South India. He has also participated in group shows in India and abroad. His works have been exhibited in New York, London and Birmingham, at the VII Triennale, New Delhi, and in Kassal, Germany. He lives and works in Hyderabad, India.

Subba Ghosh

2007-11-11T00:03:00.000-08:00

Born in 1961, New Delhi

Ghosh’s work draws on the image as “medium”, as a repository of values constructed over time. Placing the self directly in line with the image the artist explores the underlying social realities that manifest the present through the hold of time past. As Amit Mukhopadhyay says, “The artist positions himself as the other, enters the social and invokes us to be engaged with larger discourses like the production of meaning. In a way, Subba tries to reverse the ‘looking’, relocate the positions of the subjects by working the zones of visibility and invisibility and these zones are crucial for constructing representations of social realities.” (texte Talwar Gallery, New York)

Bose Krishnamachari

2007-11-10T14:44:00.001-08:00

Artiste considéré en Inde comme l’étoile montante de l’art actuel, il est aussi commissaire de nombreuses expositions d’art contemporain. Il nous propose ici des tableaux « à saturation visuelle » dont les ingrédients sont la ville de Bombay elle-même, avec tous ses excès de mégapole mais aussi « la dissolution universelle » des corps dans une matière picturale très fluide. L’œuvre de Bose est constituée de manipulations d’éléments photographiques aussi bien que d’espaces abstraits, vibrants et colorés. Ses toiles, avec leurs spectaculaires combinaisons de couleurs, ont une base intellectuelle forte. Influencé par le courant conceptuel de l’art moderne britannique, il incite à reconsidérer le rapport entre signifiant et signifié. Il remet en cause la validité de l’image en tant que révélateur d’une signification unique. Du catalogue Bombay Maximum City, Lille 3000, 2006

An artist considered the rising star of the Indian contemporary art world, he is also the curator of many exhibitions. Here he presents works that have ‘reached visual saturation point.’ The artist uses the town of Mumbai as an ingredient, with all the excesses of the megacity, but also the ‘universal dissolution’ of bodies within this free and flowing pictorial matter. Bose’s work is made up of manipulations of photographic elements and vibrant, colourful abstract spaces. His canvases, with their spectacular combinations of colours, have a strong intellectual base.

Influenced by modern British conceptual art, he invites us to reconsider the relationship between the signifier and the signified. He questions the validity of an image which reveals only one meaning. From the catalogue Bombay Maximum City, Lille 3000, 2006

2007-11-10T14:40:00.001-08:00

Prabhakar Kolte

2007-11-10T14:39:00.002-08:00

Prabhakar Kolte se dit lui-même peintre abstrait expressionniste. Il utilise la couleur pour exprimer sa pensée. Le processus de création l’intéresse avant tout. Selon Kolte, une œuvre ne peut avoir importance et puissance, que si l’artiste s’investit émotionnellement. Il s’éloigne ainsi de l’ approche conceptuelle. A première vue, ces œuvres abstraites semblent assez simples, mais elles sont très complexes. Il utilise des couches de peinture qui forment un rythme visuel. Grâce à ce processus, l’éphémère devient tangible. Les couleurs ont leur propre vie, animent ces tableaux et constituent les évènements intérieurs de l’artiste.

A self-proclaimed abstract expressionist, Kolte utilises colour as the ultimate means of self-expression. He revels in the process of creation above all else, for he believes an artist’s work can only be as powerful as the emotion and energy that the artist puts into it. Kolte avoids conceptualisation as it constricts the artist’s thought process, his abstract compositions may, at first glance, seem simple. However, in layer upon calculated layer, large patches of unmixed pigment coat his canvases, creating a visual rhythm and translating the ephemeral into something tangible. Kolte’s creations transcend time and celebrate the beauty of Nature in breathtaking and compositions where colours come to life and the artist’s own passion takes sensorial form.

Debesh Goswami

2007-11-10T14:39:00.001-08:00

Le corps est au centre du travail de Debesh Goswami. Pour cet artiste indien résidant en France, le corps en question – le sien, en l’occurrence – est aussi, forcément, un corps étranger, en dépit de l’aspiration universelle dont il est la véhicule. L’étranger, pour les occidentaux, se révélerait dans la connaissance de Debesh Goswami de certaines techniques indiennes, en particulier le yoga, qui prouvent la sensibilité du corps ; l’ambition méta-physique repose sur l’oubli du corps dans le but d’atteindre un état de grâce spirituelle, d’où la teneur contemplative du travail de Debesh Goswami, et son recours à des substances les plus simples, telles la que, la cendre ou la farine. L’aspect terrestre de ces substances et le fait qu’elles forment une seconde peau éphémère sur le corps qu’elles recouvrent, est une condition préalable à « l’aura » supra-terretre, souffle ou respiration d’une absence, qu’il souhaiterait que ces traces, conservées sur photographies et vidéo, suggèrent.

The body is at the centre of Debesh Goswami’s work. For this Indian artist who lives in France, the body in question (his) is also, necessarily, a foreign body, despite the universal aspiration for which he is the vehicle. The foreign aspect, for Westerners, is revealed in Debesh Goswami’s knowledge of certain Indian techniques, especially yoga, which demonstrate the sensitivity of the body; its méta-physical ambition rests on the idea of forgetting the body in order to attain a state of spiritual grace. Hence the contemplative aspect of Debesh Goswami’s work, and his recourse to very simple materials, such as mud, ashes and flour. The earthly aspect of these substances, and the fact that they form a second skin on the body they cover, is a preliminary requirement for the supra-terrestrial aura, breath or respiration of an absence, which he would wish these traces, preserved on video or photographs, to suggest.
Deepak Ananth, commissaire de l’exposition Indian Summer à l’Ecole des Beaux-Arts (Paris, 2005)

Anju Chaudhuri

2007-11-10T14:38:00.001-08:00

Née en 1944 à Calcutta dans une famille d’intellectuels bengalis attachés à la tradition, Anju Chaudhuri a reçu dès son enfance des influences très profondes, qui ont marqué le début d’une longue succession d’expériences aussi contrastées que formatrices. En Inde d’abord, elle est nourrie des histoires de la mythologie hindoue qui baigne sa vie quotidienne et par ses nombreux voyages entre mer et montagne. Avant même le choc de la rencontre avec l’Occident, elle découvre à la faculté des Beaux-Arts de Baroda, la culture indienne occidentale. Elle se rend ensuite en Europe où elle étudie à la Saint Martin’s School of Arts de Londres puis à l’Ecole Nationale des Beaux Arts de Paris. Elle y connaît des moments aussi forts et culturellement différents que les Sixties à Londres, la magie de sa rencontre avec Paris et son maître Hayter, Mai 68 et l’Amsterdam des années 70. Cette période est aussi celle des allers et retours entre l’Europe et le sous-continent.

Anju Chaudhuri grew up in an intellectual Bengalese family who was very attached to tradition. From her earliest childhood, many different and formative experiences influenced her. Firstly in India, where she was regularly exposed to Hindi mythology and numerous trips to the mountains and the sea. Before her culture shock upon arrival in the West, Chaudhuri discovered western Indian culture at the faculty of Fine Arts in Baroda. She then left for Europe, where she studied at Saint Martin’s School of Arts in London and afterwards, the Ecole Nationale des Beaux-Arts de Paris. Chaudhuri has experienced many different important and culturally diverse moments in time: London in the sixties; the magic of discovering Paris; her mentor and master, Hayter; May 68 in Paris; Amsterdam in the seventies. During this time, the artist travelled extensively between Europe and the sub continent.

Barmak Akram

2007-11-10T14:36:00.001-08:00

Son œuvre plastique constitue elle aussi une coupure, au sens strict du terme, puisque Barmak Akram déchire littéralement, et à la main, des magazines de presse pour y révéler une autre image, enfermant toujours la première. C’est ce qu’il désigne par le terme de « Phytomorphisme », inversant le principe de l’anthropomorphisme, puisqu’il ne s’agit plus de trouver de l’humain dans images naturelles mais au contraire de fabriquer des images naturelles à partir d’images de corps, le plus souvent féminins. Ainsi, d’images publicitaires ou de magazines pornographiques, naissent des natures mortes improbables, des fleurs, des paysages ou des animaux, comme s’il voulait retravailler les genres traditionnels de la peinture à partir du matériau le plus banalement utilisé aujourd’hui par les artistes qu’est le journal.

His work is also a cutting, in the literal sense of the word, as Barmak Akram actually rips up magazines by hand to reveal another image, while still locking in the original. This is what he denotes by the term 'Phytomorphisme', inversing the principal of anthropomorphism, since he is not concerned with finding the human in natural images but with making natural images from images of (mostly women's) bodies. In this way, improbable still lifes (flowers, landscapes and animals) are born out of advertisements or pornographic magazines, as if he wished to rework painting's traditional genres from a material commonly used by artists today, the newspaper. Christine Macel, Conservateur pour l’art contemporain au MNAM-Centre Pompidou

Velu Viswanadhan

2007-11-07T01:18:00.000-08:00

Viswanadhan est né en 1940 au Kerala dans une famille d’architectes traditionnels. Il étudie à l’école de Beaux Arts de Madras, sous l'enseignement de célèbre peintre KCS Paniker. En 1966, il participe à la fondation du village d’artistes Cholamandal. En 1968 il entre à la Galerie de France et s'installe à Paris où il côtoie Hartung, Soulages et Degottex. De 1982 à 2006 Viswanadhan a été représenté par la galerie Darthea Speyer, Paris.

Viswanadhan est aujourd’hui l’un des artistes Indiens les plus renommés. Les National Galleries de Delhi, Bombay et Le Victoria Memorial Museum de Calcutta lui ont consacré des rétrospectives.
Son œuvre témoigne de l'époque où les artistes Indiens, dans la lignée de ceux que l’on appelle aujourd’hui les « Old Masters », ont construit avec autant de conviction que de persévérance les bases d'un art moderne en Inde.
On peut observer à travers l’œuvre de Viswanadhan soit la manifestation d'un art abstrait, soit l’expression de l’art tantrique. Mais tout l’intérêt de cette œuvre, comme celle de son maître KCS Paniker ou de J Swaminathan, est d’être ailleurs, d’être autre.

La Delhi Art Gallery a récemment exposé une collection des oeuvres des début parisien de Viswanadhan. Sa prochaine exposition aura lieu à la Malborough Gallery de New York en Mars 2008.

Viswanadhan was born in Kerala in 1940 and studied at the Madras art school, where KCS Paniker was one of his teachers. In 1966, he was one of the founders of the artists' village of Cholamandal. In 1968 he moved to Paris, and joined the Galerie de France where he kept company with Hartung, Soulages and Degottex.

Today, Viswanandhan is one of India's most well-known artists. The National Galleries of Delhi, Bombay, and the Victoria Memorial Museum of Calcutta have all organized retrospectives of his work, which bears witness to a period when Indian artists, similarly to those currently known as the "Old Masters", laid the foundations of modern Indian art with conviction and perseverance. In Viswanandhan's work, abstract art and Tantric art are both evident. However, the real significance of his work, as in the work of his masters, KCS Paniker and J. Swaminathan, is to be elsewhere, to be other.
Vismanadhan recently exhibited at the Delhi Art Gallery. His next exhibit is to be held at the Malborough Gallery in New York.

Atul Dodiya

2007-11-07T00:45:00.001-08:00

Né en 1959 à Bombay
Etudes à la JJ School of Art de Bombay
Vit et travaille à Bombay

« Atul Dodiya, passionné d’histoire de l’art est une sorte de chef de file des peintres de sa génération en Inde. Constamment, tant avec humour que gravité, il brouille les pistes : figuratif, abstrait, il réalise également des vitrines aux objets presque surréalistes. Atul Dodiya joue sur la superposition de toutes sortes d’imageries – images kitsch et populaires, grandes figures ou événements de la politique indienne (Gandhi, Nehru, l’état de violence au Cachemire et les émeutes du Gujarat) ou occidentale (Clinton, Poutine), autobiographiques mais également images faisant référence à l’histoire de la peinture (suprématisme, constructivisme, abstraction) – et sur le sens qui se dégage de cette collision. » (Indian Summer, ENSBA Paris 2005).

L’œuvre d’Atul Dodiya a cette particularité culturelle Indienne particulièrement captivante, à l’instar de l’un de ses maîtres Bhupen Khakhar, de revitaliser sa démarche par des aller retour incessant entre les Beaux Arts et les arts populaires, entre l’espace privatif et l’espace publique.

Atul Dodiya avoue aussi, parmi ses nombreux centres d’intérêt, sa passion pour le cinéma. Satyajit Ray occupe la première place dans son panthéon personnel, suivi par Tarkovsky, Antonioni et Kurosawa. Son œuvre est en plan séquence, multipliant les expériences formelles comme autant de plan, contre plan et autre plan large. Elle s’affirme comme le synopsis d’une œuvre globale.

Diplômé de la J.J. School of Art, Bombay en1982, il étudie à l’école des Beaux Arts de Paris de 1991 à 1992. Depuis sa première exposition solo à la Gallery Chemould, Bombay en 1989 il a beaucoup exposé en solo et en groupe en Inde et dans le monde entier : Saptapadi, Vadehra Art Gallery, New Delhi ; Museum Art Gallery, Mumbai,2007 ; Shri Khakkar Prasanna, Chemould Prescott, Mumbai, 2007 ; The Wet Sleeves of My Paper Robe, Bodhi Art, Bombay & New York, 2006. Icon: ‘India Contemporary’ Venice Biennale, 2006; 'Indian Summer' L'Ecole des Beaux Arts in Paris, 2005; Edge of Desire: Recent Art in India, the Asia Society, New York & Queens Museum, New York, 2005; London's Tate Gallery, 'Centuries Cities: Art and Culture in Modern Metropolis', 2000; Yokohama Triennale, 2002 ; Capital and Karma: Recent Positions in Art, Kunsthalle Vienna, 2002 ; the House of World Cultures, Berlin, 2003 ; Espacio Uno, Reina Sofia Museum, Madrid, 2002. The crowning glory was his works being shown at the Tate Museum, London, (2000), as part of the exhibition 'Centuries Cities: Art and Culture in Modern Metropolis'…

Born in 1959 in Bombay
Studied at the JJ School of Art of Bombay
Lives and works in Bombay

"Atul Dodiya, passionately involved in art history, is something of a leader among the Indian painters of his generation. With both humor and gravity, he constantly confuses the issue, moving from figurative to abstract painting as well as creating glass cases with almost surrealistic objects. Atul Dodiya plays on the superposition of all sorts of images – kitsch and popular imagery, major figures and events from Indian politics (Gandhi, Nehru, violence in Kashmir and riots in Gujarat, as well as images from Western sources (Clinton, Putin). Autobiographical images are included as well as others referring to the history of painting (Suprematism, Constructivism, Abstraction), all designed as an investigation of meaning that emerges from these collisions." (Indian Summer, ENSBA Paris 2005).

The work of Atul Dodiya shares a particularly captivating Indian cultural specificity, similarly to one of his masters, Bhupen Khakhar – the revitalization of art through a constant dialog between the fine arts and popular arts, between a private and public space.

Among his many centers of interest, Atul Dodiya is also fascinated by the cinema. Satyajit Ray holds first place in his personal pantheon, followed by Tarkovsky, Antonioni, and Kurosawa. His work is a kind of sequence shot that multiplies formal experiments as plain, reverse, or wide-angle shots, affirming itself in a synopsis of a global oeuvre.

Following a degree from the J.J. School of Art, Bombay in 1982, he studied at the Ecole des Beaux Arts de Paris from 1991 to 1992. Since his first solo show in 1989 at the Gallery Chemould, Bombay, he has exhibited in many solo and group shows in India and elsewhere in the world: Saptapadi, Vadehra Art Gallery, New Delhi; Museum Art Gallery, Mumbai,2007; Shri Khakkar Prasanna, Chemould Prescott, Mumbai, 2007; The Wet Sleeves of My Paper Robe, Bodhi Art, Bombay & New York, 2006. Icon: ‘India Contemporary’ Venice Biennale, 2006; 'Indian Summer' L'Ecole des Beaux Arts in Paris, 2005; Edge of Desire: Recent Art in India, the Asia Society, New York & Queens Museum, New York, 2005; London's Tate Gallery, 'Centuries Cities: Art and Culture in Modern Metropolis', 2000; Yokohama Triennale, 2002; Capital and Karma: Recent Positions in Art, Kunsthalle Vienna, 2002; the House of World Cultures, Berlin, 2003; Espacio Uno, Reina Sofia Museum, Madrid, 2002. The crowning glory was his works being shown at the Tate Museum, London, (2000), as part of the exhibition 'Centuries Cities: Art and Culture in Modern Metropolis'…

Pushpa Kumari

2007-11-07T00:01:00.001-08:00

Pushpa est la petite fille de Mahasundari Devi, l'une des grandes dames du Mithila painting. L’art du Mithila est le mode d’expression populaire pictural Indien le plus renommé tant dans le sous continent qu’à l’étranger. A la base exclusivement féminin, l’art du Mithila a fait l’objet de nombreuses études. Certaines œuvres des plus grandes dames du Mithila Painting sont conservées dans des collections publiques et privées. Un musée au Japon est consacré exclusivement à cette forme d’art. D’autres projets de musée et de fondation sont à l’étude en Inde.

Pushpa incarne le renouveau de cette tradition artistique. La qualité et à l'originalité de ses œuvres, l’amène à exposer régulièrement en Inde mais aussi aux Etats-Unis et au Japon. De nombreux articles lui ont été consacrés. Ce dessin, n’hésite pas à s’affranchir d’une certaine morale pour nous offrir, comme le fit Courbet avec la naissance du monde, une de ses franches et rares représentations des origines.

Pushpa Kumari is the granddaughter of Mahasundari Devi, one of the grande dames of Mithila painting. The art of Mithila is the most well-known mode of popular pictorial expression both in the Indian sub-continent and the world. Initially exclusively feminine, the art of Mithila has been thoroughly studied. Certain works by the greatest women artists of Mithila Painting are preserved in both public and private collections. A museum in Japan is exclusively devoted to this art form. Other projects for a museum and foundation are currently underway in India.

Pushpa incarnates the renewal of this artistic tradition. The quality and originality of her work has resulted in many exhibits in India, but also in the United States and Japan. Many articles have been written about her work. This drawing confidently transgresses a certain morality to offer us, as did Courbet in his Naissance du Monde, one of her direct though rare representations of our origins.

Shibu Natesan

2007-11-05T09:21:00.000-08:00

Shibu Natesan

Né à Thiruvananthapuram, Kerala, 1966
Partage son temps entre Baroda et Londres.

La peinture de Shibu Natesan a la qualité, la précision et le réalisme d'un montage photographique. Utilisant une palette hardie, l’artiste injecte son réalisme en combinant le familier avec des symboles inattendus. Sous une apparente naïveté, le mélange de réalisme et de fantaisie défie les notions préconçues de reconnaissance et amène le spectateur a repensé les implications d’événements présumés ordinaires.

Shibu Natesan maîtrise aussi bien l’aquarelle que la peinture à l’huile. Pour cette dernière, il utilise un matériau proche de la peinture glycérophtalique pour métal. C’est cela qui donne un aspect inusuel, distant, à ses sujets, par ailleurs et par contraste, anodin.

Les œuvres de Shibu Natesan sont des peintures d’atmosphère. Celle du quotidien, du réalisme. Elles s’apparentent au cinéma d’Eric Rohmer. Les photos de presse de « Pauline à la plage », l’un des opus du cycle Comédies et Proverbes semblent être tirées du même univers que cette peinture titré laconiquement « On the beach ».

« Peintures d’atmosphère ! », voilà en quoi le réalisme de Shibu Natesan se distingue de celui largement pratiqué par d’autres artistes issus de la même génération.
Le langage de l’atmosphère est celui du silence qui fait sens.

Born in Thiruvananthapuram, Kerala, 1966
Shares his time between Baroda and London.

Shibu Natesan's painting has the quality, precision, and realism of a photographic montage. Using a bold palette, the artist alters the realism of the image by combining the familiar with unexpected symbols. Although deceptively naïve, the mixture of the realistic and the imaginary defies the preconceived notions of recognition and leads the viewer to rethink the implications of seemingly ordinary events.

Shibu Natesan masters not only watercolor but oil paint as well. For the latter, he uses a material similar to glycerophtalic metal paint, giving an atypical, distant look to subjects that in other respects appear perfectly innocuous. Works by Shibu Natesan are paintings of atmospheres, the daily round, realism. They can be related to the films of Eric Rohmer. The press photos of "Pauline à la plage", one of the films in the "Comédies et Proverbes" cycle, appear to be linked from the same universe as the painting entitled laconically "On the beach".

"Paintings of atmosphere" … this is what distinguishes the realism of Shibu Natesan from that widely practiced by other artists of the same generation. The language of atmosphere is a language of silence that generates meaning.

Education :
B.F.A. Painting, College of Fine Arts, Trivandrum, Kerala, (1987); M.F.A. Print making, Faculty of Fine Arts, M.S. University, Baroda (1991); Participant, Rijksalademie Van Beeldende Kunsten, Amsterdam (1996-97)

Expositions personnelles :
“Each One Teach One” Jack Shainman Gallery, New York, NY, 2007
“Vision Unlimited”, Grosvenor Gallery, London, UK, 2005
“Existence of Instinct”, Shridharani Art Gallery, New Delhi, 2005
“Paintings”, Galerie Nanky De Vreese, Amsterdam and Sakshi
Gallery, Bangalore, 2001-02
“Missing”, Sakshi Gallery, Mumbai, 1999
“Nature Morte”, New Delhi, 1998
“Linkage”, Gallery de Vreese, Amsterdam, 1997
Sakshi Gallery, Mumbai, 1997
“Futility of Device”, Faculty of Fine Arts, M.S. University,
Baroda.

Expositions de groupe :
“Parallel Realities”, Asian Art Now, Blackburn Museum, Lancashire, England, 2006
“Making the Divinity”, Curator: Ina Pury, Sakshi Gallery, Mumbai
“Altered Realities”, Gallery Art India, New York
“Parallel Realities”, The third Fukuoka Asian Art Triennale,
Fukuoka Asian Art Museum, Japan, 2005.

Amitava

2007-11-05T03:27:00.000-08:00

Né à New Delhi, 1947
Vit et travaille à New Delhi

Peintre, graphiste et designer, Amitava a étudié au College of Art, New Delhi et fut en 1974 membre fondateur du ‘New Group’.

Depuis 2000, Amitava trace les cartes de voyages psychiques, les contours s’apparentent aux rythmes syncopés de séismographe. Sur divers supports, l'artiste commence son dessin sans thème préconçu, le processus créatif résulte alors des niveaux subconscients du mental. Une jungle de lignes épaisses noires et rouges domine alors sur ses œuvres.
Pendant son séjour en France en 2002 il crée quelques travaux abstraits purs sur des pages du British Daily et du Financial Times. Sans idée précise, l'artiste prend ses marqueurs et commence à accentuer et souligner les images et les textes verticalement et horizontalement pour produire, avec un nouveau langage visuel, des résultats oblitérants les messages sur lesquels il s'abandonne.

Depuis sa première exposition à la Kunika-Chemould Gallery, en 1969, Amitava a participé à plusieurs expositions personnelles et de groupe en Inde et à l'étranger. Ses oeuvres se trouvent dans les collections permanents telles que: Society of Contemporary Art, Londres; National Gallery of Modern Art, New Delhi; Bharat Bhavan, Bhopal; Punjab Museum, Chandigarh; Lalit Kala Akademi, New Delhi et de collections privées dont : M. V. Sanjay Kumar, Madras; M. Devender Sahani; Delhi Art Gallery, New Delhi.

Born in New Delhi, 1947
Lives and works in New Delhi

A painter and graphic designer, Amitava studied at the College of Art, New Delhi and was a founding member of "New Group", born in 1974.

Since 2000, Amitava has been drawing maps of psychic voyages, whose contours evoke the syncopated rhythms of a seismograph. The artist begins his drawings on various types of surfaces without any preconceived intention, the creative process emerging from the subconscious levels of the mind. A jungle of thick black and red lines dominates his work.
During his stay in France in 2002, he created several purely abstract works on the pages of the British Daily and Financial Times. With no precise idea, the artist uses his markers to accentuate and underline the images and texts horizontally and vertically to produce, using a new visual language, results that obliterate the messages he uses as a vehicle for his freestyle abandonment.

Since his first exhibit in the Kunika-Chemould Gallery in1969, Amitava has participated in several solo and group shows in India and abroad. His work is found in permanent collections such as: the Society of Contemporary Art, London; National Gallery of Modern Art, New Delhi; Bharat Bhavan, Bhopal; Punjab Museum, Chandigarh; Lalit Kala Akademi, New Delhi and private collections such as: M. V. Sanjay Kumar, Madras; M. Devender Sahani; Delhi Art Gallery, New Delhi.

Jagdish Swaminathan

2007-11-05T03:03:00.001-08:00

Jagdish Swaminathan (1928-1994) est l’une des grandes figures tutélaires de l’art moderne Indien. Artiste, poète, théoricien, fondateur et directeur de musée, Swami, comme l’appelle affectueusement ses proches, caractérise cet engagement global que l’on peut retrouver dans l’art indien. La figure du mentor, grecque, du leader, anglo-saxonne, est, en Inde, celle du gourou.

En 1982, Swaminathan participe à la création du Bharat Bawan, complexe culturel situé à Bhopal incluant le Roopankar, un musée d’art contemporain. Jagdish Swaminathan milite pour que le terme de contemporain embrasse la diversité culturelle indienne, de ses origines nomade à sédentaire, de sa réalité rurale à urbaine. L’art contemporain exposé et collectionné au Bharat Bhavan illustre cette volonté de faire coexister art populaire et art dit cultivé.

L’œuvre de Jagdish Swaminathan est l’expression d’un no man’s land pictural. Elle se situe dans ces espaces encore vierges que des artistes comme Bawa, Souza, Gaitonde, Akbar Padamsee et Tyeb Mehta vont explorer. Ces artistes vont articuler de nouveaux langages tenant compte tout autant de l’histoire de l’art moderne occidental que de la représentation de l’espace dans l’art jain ou de la symbolique des couleurs dans l’art tantrique.

Les peintures de Swaminathan nous proposent des espaces indéterminés. La montagne, l’oiseau et la symétrie sont les éléments de base de son vocabulaire plastique. La montagne est en soi un symbole, elle est aussi la demeure de Shiva. L’oiseau serait un trait d’union entre le connu et l’inconnu, entre le temporel et l’éternel. La symétrie jette les bases d’un art qui admet l’interchangeabilité des états, physique et psychique, senti et ressenti, perception et réflexion.

Jagdish Swaminathan a fait des études de Polytechnique à Delhi avant d’être journaliste, critique d’art et artiste. Il fonde en 1962 le « Group 1890 » regroupant à Delhi 12 jeunes artistes dont Jeram Patel, Jyoti Bhatt, Ambadas, Gullamohammed Sheikh. La première exposition du Group est inaugurée par le premier ministre Indien Jawaharlal Nehru et le poète Mexicain Octavio Paz. Il se lie d’amitié avec Paz grâce auquel il rencontre Rufino Tamayo, Fidel Castro ou encore Claude Levi-Strauss. De son vivant, 31 expositions personnelles lui sont consacrées en Inde et à l’étranger.

Jagdish Swaminathan (1928-1994) is one of the major tutelary figures of modern Indian art. An artist, poet, theoretician, and founder and director of a museum, Swami, as his friends affectionately call him, is exemplary of that total commitment typical of Indian art. In India, the figure of the mentor, the word for "leader" in ancient Greek, transforms to that of the guru.

In 1982, Swaminathan participates in the creation of the Bharat Bawan, a cultural complex situated in Bhopal and including Roopankar, a museum of contemporary art. Jagdish Swaminathan militates to ensure that the word "contemporary" embraces the entire range of cultural diversity in India, from its nomadic to its sedentary origins, from its rural to its urban realities. Contemporary art exhibited and collected at the Bharat Bhavan illustrates his strong desire to ensure that popular art and the so-called fine arts co-exist.

The work of Jagdish Swaminathan is an expression of that pictorial no man’s land located in the still virgin territory to be explored by artists such as Bawa, Souza, Gaitonde, Akbar Padamsee and Tyeb Mehta. These artists were to develop new languages that combined the history of Western modern art and the representation of space in Jain art and color symbolism from Tantric art.

Swaminathan's paintings offer us indeterminate space. The mountain, bird, and symmetry are the basic elements of his esthetic vocabulary. The mountain is a symbol in itself, but is also the house of Shiva. The bird is the link between the known and the unknown, the temporal and the eternal. Symmetry serves as the basis of an art that admits to interchangeability of both physical and psychic conditions, sense and awareness, perception and reflection.

Jagdish Swaminathan studied Polytechnic in Delhi before being a journalist, an art critic and an artist. In 1962, in Delhi he establishes the " Group1890 " grouping together in Delhi 12 young artists among whom Jeram Patel, Jyoti Bhatt, Ambadas and Gullamohammed Sheikh. The first exhibition of the Group is inaugurated by the Indian Prime Minister Jawaharlal Nehru and the Mexican poet Octavio Paz. The artist, thanks to Paz, meets Rufino Tamayo, Fidel Castro and Claude Levi-Strauss. During his lifetime, 31 solo shows exhibited his work both in India and abroad.

Surekha

2007-11-03T11:15:00.000-07:00

Née en 1965, Bangalore
Vit et travaille à Bangalore

Surekha, fait partie de la nouvelle génération d’artistes pluridisciplinaires (avec Sonia Khurana) qui pratique la vidéo, la photo et l’installation.
Elle utilise la vidéo comme moyen de négocier les questions relatives à son rapport à la tradition, la globalisation et aux changements. Comment vivre avec les valeurs culturelles traditionnelles ? Comment se libérer en tant que femme ? Comment faire face aux problèmes ethniques ?
Surekha dresse la carte des trajectoires de la mémoire, des rituels et aborde les questions liées à la politique sociale. Une grande partie de son travail s’interesse à la femme et sa condition de vie en Inde. "Comme pour un documentaire, elle filme un groupe de brodeuses de toutes générations qui racontent à force de rires leur vie avec un mari alcoolique ou bien dans une série de photographies des fillettes prennent la pose devant un miroir en costume traditionnel, coiffées d’une tresse fleurie de jasmin ou évoquent par l’immersion dans un bain fleuri le rite de la fertilité traditionnel de la femme en Inde" (Indian Summer, ENSBA, Paris 2006).

Surekha, Fragments of a Wedding Diary, Installation de 33 photographies, chaque photographie : environ 15,24 x 22,86 cm, 12 000 € (detail)
"Fragments of a wedding diary" was shown in two museums as part of an international show " Complexities of Life", Aboa Arsanova Museum and Turku Lapperanta Museum, South Karelia.

L’installation ici présentée et intitulée ’Wedding Diary’, amène le spectateur face à face avec 33 photographies noir et blanc* rehaussées symboliquement de quelques couleurs évoquant le travail de retouche fait par les studios de prise de vue de mariage et autres évènements marquant la vie et les rites des familles. Ces images ont été sauvées des poubelles des studios de quartier. Négatifs voilés, mal fixées, rayés ou simplement répudiées par le client. L’arrivée du numérique coïncide avec une pixellisation, comme l’on dirait une atomisation, de la cellule familiale. L’urbanisation et ses implications dans la vie sociale en Inde sont au cœur de la problématique de Surekha. Ces fragments de famille nous parlent d’une pixellisation du sens.

* Ces images ont été tirées d’après négatifs, puis colorées à la main pour être, en dernier lieu numérisées et à nouveau imprimées sur papier photo.

Born in 1965, Bangalore
Lives and works in Bangalore

Surekha is among the new generation of multidisciplinary artists (with Sonia Khurana) adept at using video, photography, and installations.
She uses video as a way to negotiate questions surrounding her relation to tradition, globalization, and change. How to live with traditional cultural values? How to become liberated as a woman? How to deal with ethnic issues?
Surekha maps trajectories of memory and rituals, addressing questions linked to social politics. Much of her work is devoted to Indian women and their condition. "Using the documentary technique, she films a group of embroiderers of all ages who tell stories, laughing, of life with an alcoholic husband, or a series of photographs of young girls posing in front of a mirror in traditional costume wearing a braid interwoven with jasmine flowers, or a suggestion of the traditional Indian woman's fertility rites through immersion in a flowery bath." (Indian Summer, ENSBA, Paris 2006).

Surekha, Fragments of a Wedding Diary, Installation of 33 photographs, each photograph about 15.24 x 22.86 cm. "Fragments of a wedding diary" was shown in two museums as part of an international show " Complexities of Life", Aboa Arsanova Museum and Turku Lapperanta Museum, South Karelia.

The installation presented here, entitled "Wedding Diary’, faces the viewer with 33 black and white photographs, highlighted symbolically with a few colors that refer to retouching done by the professional photographers who cover weddings and other important life events and family rites. These images were rescued from the garbage bins of studios in the neighborhood, negatives that were out of focus, poorly developed, scratched, or simply rejected by the client. The rise of digital photography coincides with pixelization, in another sense atomization, of the nuclear family. Urbanization and its implications for social life in India are core issues in the work of Surekha. These family fragments talk to us about the pixelization of meaning.

* These images were printed from negatives, colored by hand, then scanned and printed onto photography paper.

Diplome Fine Arts, Ken School of Ats, Bangalore & Santiniketan, Calcutta (1992)

Expositions a l’etranger et dans le pays :
Expo solo :
"traces and memories of a body", "the native body", "selving a body", "eye of a needle" Bangalore and Lakeeren gallery, Mumbai.
Expo de groupe
Newark Museum, EU, 2007
“Horn Please! Narratives from Contemporary Indian Art”, Kunstmuseum, Bern, Suisse, 2007
Ghosts in the Machine and Other Fables, Apeejay Media Gallery, New Delhi, 2006
Indian Summer, Paris 2005
"other side of the sky", Unesco, Paris(2003);
"sites of recurrence", Boras Museum, Sweden(2003).
"self", IMA Brisbane(2002);
"under the Skin", Aarau (1999), "british make" Bristol(2001); "skin deep" Helsinki(2001).
"camouflage", Nehru Center London(2001.

Jivya Soma Mashe

2007-11-03T08:32:00.000-07:00

Jivya Soma Mashe, né en 1934, est l’une des figures incontournables de l’histoire de l’art Indien. Son œuvre a été saluée par les personnalités les plus représentatives, politiques et culturelles, de l’Inde, d’Indira Gandhi à Sayed Haider Raza.
Paris, Berlin, New York, Londres ou encore Moscou, cet artiste, membre de la tribu Warli, parlant seulement le dialecte Warli, à visiter et à exposer dans de nombreux pays.

Située à 150 km seulement au Nord de la mégapole Mumbai, les Warli font partie des nombreuses communautés tribales que les indiens appellent les Adivasi, littéralement « premiers habitants ». De fait leur art nous parle des temps les plus anciens, avant même que naissent bouddhisme et hindouisme. Jivya Soma Mashe est, même au regard des siens, un artiste légendaire tant par sa personnalité que par son talent.

C’est la fameuse galerie Chemould qui a exposées ses peintures pour la première fois en 1975, publiant en 1985 « The Warlis, Tribal Paintings and Legends ». C’est aussi avec Jivya Soma Mashe et son fils Balu, que la Chemould Gallery a fait, en 2007, son show d’adieu à son premier et historique lieu d’exposition située au-dessus de la Jehangir Art Gallery de Mumbay.

Celui que certain surnomme le Husain de l’art tribal Indien (Gulf News 13/09/2007), tant sa renommée est grande, a exposé récemment avec Richard Long (Düsseldorf 2003 et Milan 2004) et Neck Chand (Paris 2007).

Ces deux peintures sont rares tant par leur grande taille que par leur qualité exceptionnelle particulièrement représentative du style de l’artiste, célébration de l’intime et de l’universel.

Jivya Soma Mashe, born in 1934, is an essential figure in the history of Indian art. His work has been commended by some of the most important cultural and political figures of India, from Indira Gandhi to Sayed Haider Raza.
The artist, a member of the Warli tribe, only speaks the Warli dialect but has visited and exhibited in many different countries – Paris, Berlin, New York, London, and even Moscow…

Located only 150 km to the north of the Mumbai megapolis, the Warli are one of the many tribal communities the Indians refer to as Adivasi, literally translated as "the first inhabitants". Their art speaks to us of the earliest periods, before the rise of Buddhism and Hinduism. Even those close to him consider Jivya Soma Mashe a legendary figure of an artist both for his personality and his talent.

The well-known Chemould Gallery first exhibited his paintings in 1975, publishing "The Warlis, Tribal Paintings and Legends" in 1985. In 2007, the Chemould Gallery organized a farewell show for its first, historical premises with Jivya Soma Mashe and his son, Balu, above the Jehangir Art Gallery in Mumbai.

The man known as the Husain of Indian tribal art (Gulf News 13/09/2007) for his remarkable reputation has recently exhibited with Richard Long (Düsseldorf 2003 and Milan 2004) and Neck Chand (Paris 2007).

Both paintings are remarkable not only for their large size but also for their exceptional quality, especially representative of the artist's style – a celebration of the intimate and the universal.

Exhibitions:
2007 - "Jivya and Balu Mashe " - Gallery Chemould, Mumbai, India
2007 - "Nek Chand - Jivya Soma Mashe" - Halle Saint Pierre, Paris, France
2006 - "Birth of the Painted World " - Kauffman Gallery, Shippensburg, USA
2006 - "Abitare il cuore" - Galleria Lattuada Studio, Milano, Italy
2004 - Incontro: Richard Long e Jivya S. Mashe - PAC (Padiglione dell'Arte Contemporanea), Milano, Italy
2003 - Dialogue: Richard Long und Jivya S. Mashe - Museum Kunstpalast, Duesseldorf, Germany
1999 – Other Masters, Craft Museum, New Delhi, India
1989 - Magiciens de la Terre - Paris, France
1975 - Gallery Chemould, Mumbai, India

Other various solo and group shows in India and around the world.

Ravi Agarwal

2007-11-03T07:30:00.001-07:00

Ragi Agarwal, né en 1958, est photographe et environnementaliste. Ses photographies interrogent la manière dont on devrait s'imaginer aujourd'hui la vie des individus tout au bout de la "chaîne de la globalisation", comme dans sa série consacrée aux travailleurs du Sud en Inde, dans le Gujarat, exposés à la Documenta 11. En tant qu’environnementaliste, il est le fondateur et directeur de Toxics Links, une organisation qui collecte et partage les informations sur les sources et les dangers d’empoisonnement de l’environnement.
La mousson vue comme une "mise à nu" est également au cœur du travail de Ravi Agarwal qui propose des photos en forme de performance. Des bustes d’homme indiens nus portant dans leurs mains des racines arrachées de différents arbres constituent sa série de photos dites écologiques.
Artiste activiste, Ragi Agarwal l’est pleinement.

Ravi Agarwal (b. 1958) is a photographer and an environmentalist. His photography examines work, labor, and the street within the domain of public spaces. As an environmentalist, he is founder and director of Toxics Link, an organization that collects and shares information about the sources and dangers of poisons in the environment. Agarwal’s solo exhibitions include Alien Waters, India International Centre Gallery, New Delhi, 2006; Down and Out, New Delhi, Ahmedabad and Amsterdam, 2000; and A Street View, All India Fine Arts and Crafts Society, New Delhi, 1995. He has also participated in Documenta 11, Kassel, Germany 2002; Crossing Generations: diVERGE: Forty years of Gallery Chemould, National Gallery of Modern Art, Mumbai, 2003; Self x Social, School of Arts and Aesthetics, Jahawahar Lal Nehru University, New Delhi, 2005, and Watching Me Watching India, Fotografie Forum International, Frankfurt, Germany, 2006. Agarwal lives and works in New Delhi.

Agarwal’s solo exhibitions include Alien Waters, India International Centre Gallery, New Delhi, 2006; Down and Out, New Delhi, Ahmedabad and Amsterdam, 2000; and A Street View, All India Fine Arts and Crafts Society, New Delhi, 1995. He has also participated in Documenta 11, Kassel, Germany 2002; Crossing Generations: diVERGE: Forty years of Gallery Chemould, National Gallery of Modern Art, Mumbai, 2003; Self x Social, School of Arts and Aesthetics, Jahawahar Lal Nehru University, New Delhi, 2005, and Watching Me Watching India, Fotografie Forum International, Frankfurt, Germany, 2006. Agarwal lives and works in New Delhi.

Naveen Kishore

2007-11-03T06:40:00.000-07:00

Né a Calcutta en 1953 et diplômé de Littérature Anglaise en 1973, Naveen Kishore débute comme concepteur d’éclairage scénique. En 1982, il fonde Seagle Books, publication sur les arts et les médias orientée sur les études de film, art et culture.
Kishore se tourne vers la photographie et montre des acteurs travestis du théâtre de Manipuri, Bengale et Punjab. Il photographie plus particulièrement Chapal Bhaduri, un travesti du théâtre populaire bengali appelé Jatra, dans un projet intitulé Performing the Goddess. Certaines de ces images ont voyagé en Inde, au Royaume-Uni et aux Etats-Unis avec l’exposition intitulée Woman/Goddess. Une série de photo sur les éboueurs du Bombay et le trafic des jeunes filles à Chiang Mai, Thaïlande ont fait partie de la Fondation Ashoka. Le projet Paris:Music récemment conclu sera présenté en Mars 2008. Kishore vit et travaille à Calcutta.

Watching Kali or Song for Kali

My mother’s image by error with clay I want to shape.
This Ma is not earth’s girl, vain toil, with clay I sweat.
In hand a sword, ’round neck cut heads, is she earth-born,
Can mere clay put out mind’s burning, as she does?
I’ve heard her hue is black, that black lights up the world.
Can black paint slapped on clay come close to Mother-black?
My Mother has three eyes: sun, moon and holy fire.
Is there an artisan, to build me such a one?
Evil-destroying Kali, she is not just clay and straw.
She’ll take away mind’s dark. Show Proshad her Kali-face.

Ram Proshad (c. 1720–1781).
Translated from the Bengali by Gayatri Chakravorty Spivak.

. . . at the other end of the bloodied sacrifical block, hot gold tongue thrust out, trembling with the rays of outer space, three-eyed woman with loosened hair, world-lighting black, Mother naked as the day, terrible beautiful Kali. Images of divinity standing cheek by jowl with ordinary daily-lived humanity . . . women washing clothes, children playing, cars passing by, food being cooked . . .This series of images taken in 2005 at Kumartuli, Calcutta city’s clay quarter where the men make Gods. Self-taught artisans shape the clay from the Hoogly, tributary of the holy river, Ganga, into Gods and Goddesses for the annual Kali festival. Year after year. Generations after generation of artisans. These clay idols are worshiped with great reverence and then immersed in the river after one day of worship.

Born in Calcutta in 1953, with a degree in English literature in 1973, Naveen Kishore began as a light designer for the theater. In 1982, he founded Seagle Books, a publication on arts and media focusing on film, art and culture studies. Kishore then turned to photography using female impersonators from Manipuri, Bengali and Punjabi theatre practices. He focused particularly on Chapal Bhaduri, a female impersonator of the Bengali folk theatre called Jatra in a photographic project entitled "Performing the Goddess". Some of these pictures were exhibited as a part of a show entitled Woman/Goddess which traveled all over India and to the United Kingdom and the United States. A series of photo features on the garbage collectors of Bombay and girl trafficking in Chiang Mai, Thailand were shown as a part of the Ashoka Foundation. A recently concluded Paris:Music project will be on view from March 2008. Kishore lives and works in Calcutta.

Ram Rahman

2007-11-03T06:29:00.000-07:00

Born in 1955, Ram began his photographic education under Jonathan Green at MIT while a physics student in the mid 1970’s. He went on to do a graduate degree at the Yale School of Art. His first major one man show was at the Shridharani Gallery in Delhi in 1988. Since Group shows include the Japan Foundation in Tokyo, The Photographer’s Gallery in London and an upcoming show at the Newark Museum. Ram has also curated exhibitions including a major retrospective of Sunil Janah in New York in 1998 and HEAT , a group show of mainly photographic and video work at Bose Pacis in New York. He was also a part of ‘ I Fear, I believe, I desire’ a group show curated by Gayatri Sinha at ‘Gallery Espace’, New Delhi(2007). He has participated in symposia at MOMA in New York, the Tate Modern in London and at the Baroda School of Art.His work has been in a documentary Style, in black and white. He is represented in major collections in India and around the world.

Ram Rahman’s engagements with public sites result in heaven in Mylapore (2006) a collage of images that dissolves hierarchies of value. Within the context of the street he creates a visual collage of temple sculpture, gods, flags, abstract patterns and the objects of the everyday. While his early practices of street photography may have been influenced by Eugene Atget and Lee Friedlander, Ram developed the style of voyeur/participant that is ironic and anti-aesthetic. Ram draws from vernacular and popular print traditions, a lifetime of political activism and an engagement with the traditions of street photography to render the gods as signage and political portraits as graffiti. Working from the early 1980’s , a period dominated by the intense chromatic pictorialism of India by Raghubir Singh, and Rghu rai’s generous, even epic view of the heroic and the quotidian, Ram opens up another stream. Of an implicit critique of class, of the dismantling of hierarchies, of the hard, even chaotic compression of the rhythms of the street into a frame of the present context.

Cross cultural engagements over a period of two decades , that resonate back and forth in time distinguish the work. The Assassination of Trotsky/Ernakulam/Coyoacan/2007. It is tempting to draw a parallel between the residue of Soviet revolutionary images in Ernakulam in the mid 1980’s and the Trotsky memorial at the house he chose for his four year exile in Mexico City. These are marks of a transfer of political ideology and its survival far away from the land of its origin. Trotsky’s own position of exile in the last four years of his life, and his assassination resonates with the political histories of India and Mexico, the remapping of ideology and shifts of power. Several cross references in the work reinforces the affinities of violence, and the passing of the image of death into cultural artefact.

Reference:
I Fear, I believe, I desire catalogue; catalogue essay by Gayatri Sinha; copyright Gallery Espace.
Copyright Gallery Espace

One-man shows
2003 Photo Studio/Cutouts, India International Center, New Delhi
2002 Cleveland Museum of Art, Cleveland, Ohio
2000 Admit One Gallery, New York.
1999 Galerie Foundation for Indian Arts, Amsterdam.
1998 Gallery at 678, New York
1992 Gallery Chemould, Bombay
1988 Shridharani Gallery, New Delhi
1978 Triveni Gallery, New Delhi
1977 Brunswick Public Library, Brunswick, Maine
1977 Rotch Visual Collections, MIT, Cambridge

Binoy Varghese

2007-11-03T06:15:00.001-07:00

Né à Kuttathukulam, Kerala, 1966
Vit et travaille à New Delhi

Binoy Varghese se distingue par ses compositions proches du photoréalisme. Proche aussi d’un certain hyperréalisme, ces peintures ont l’aspect suave des publicités peintes.
Sur sa toile éclatante d’une nature luxuriante, un visage innocent, déconcerté, parfois confiant ou réservé, réclame l’attention.
L'idée de la série à laquelle cette toile appartient serait de révéler les émotions des personnes déplacées d'une situation à une autre. Adaptation et défi sont les termes qui définissent l'humeur qui se dégage des travaux de Binoy. L’atelier du photographe portraitiste devient celui du peintre. Le style rappelle aussi le Pop Art. En lieu et place des « people » d’Andy Warhol Binoy Varghese dresse un portrait flashant des gens ordinaires.
Thématique du fond identique pour cette série : all over de fleurs exotiques agrandies pour mieux envahir et s’approprier la toile de fond avec, en premier plan, un portait en buste. Le dispositif est anthropométrique. La forme fait penser à des photos prises dans des lieux de transit, sorte de Sangatte bucolique. L’atmosphère serait celle de papillon, chrysalide comme métaphore de l’état de transition, posée, temps de repos, sur la corolle d’une fleur. Etrange complément sensitif, la mise à nue de la structure de la fleur et de ses organes reproducteurs, pétales, pistils et autres pédoncules, confère à cette série une dimension sexuelle qui n’est pas sans filiation avec celle des fleurs géantes de Georgia O’Keefe.

Born in Kuttathukulam, Kerala, 1966
Lives and works in New Delhi

Binoy Varghese's work is distinguished by compositions that come close to photorealism. Similarly to a certain form of hyperrealism, these paintings have the smooth look of painted advertisements. On a painting bright with luxuriant vegetation, an innocent face, disconcerted, sometimes confident, sometimes reserved, claims our attention.

The concept behind the series to which this canvas belongs is to reveal the emotions of individuals as they move from one situation into another. Adaptation and challenge are terms that define the mood emanating from Binoy's work. The studio of the portrait photographer becomes that of the painter. His style is also reminiscent of Pop Art, but instead of Andy Warhol's portraits of famous personalities, Binoy Varghese paints flashy portraits of ordinary people.
A single background theme for the series: exotic flowers blown up to better invade and conquer the background of the canvas with, in the foreground, a bust-style portrait. The arrangement is anthropometric. The form is reminiscent of photographs taken in places of transit, a kind of bucolic Sangatte. The atmosphere is that of a butterfly, the chrysalis as metaphor for a state of transition, controlled, a time of rest, on the corolla of a flower. A strange, sensitive complement, revealing the structure of the flower and its reproductive organs – petals, pistils and other peduncles – that gives the series a sexual dimension that is not without a link to the giant flowers of Georgia O'Keefe.

Diplômé du R.L.V College of Fine Arts, Kerala ; ses expositions personnelles et de groupe incluent :
Group show at Tamrind gallery ,New York,2007 may
Pallet art gallery-october 2006
Twoman show Kashi art galery, Cochin
Virat Gallery, New Delhi, 2004
Definitively Provisional ‘Whitechapel Project Space, London,2003
HEAT Habitat Centre, New Delhi, 2002
The Other Gallery, Banff Centre for Arts, Canada, 2000
Gallery 47 London, 1997
Herwitz Gallery, Ahmedabad, 1997
Quay Side Gallery, London, 1996
Artist of the month Max Muller Bhavan, Chennai , 1996
Ses œuvres font partie de collections privées et publiques en Inde et a l’étranger dont : National Gallery of Modern Art, New Delhi, Inde

Roy Thomas

2007-11-03T05:08:00.001-07:00

Né en 1966 au Kerala et basé à Delhi, Roy Thomas a participé à de nombreuses expositions, ses œuvres font partie de collections prestigieuses dont celles du Glenbarra Art Muséum, Fukuoka, Japon et NGMA, Delhi, Inde.
Connu pour ses représentations de la ‘vie réelle’, il interprète en peintre accompli nombre de sujets sociopolitiques Indiens mais aussi étrangers pour essayer de garder vivante l'époque dans laquelle il vit. Roy Thomas appartient à l’école de la ‘réalité virtuelle’ qui s’est largement développée au sein des jeunes artistes du Kerala.

Born in 1966 in Kerala and based in Delhi, Roy Thomas has participated in many exhibits and his works are found in prestigious collections such as the Glenbarra Art Museum, Fukuoka, Japon and NGMA, Delhi, India.

Known for his representations of "real life", this accomplished painter interprets many social and political topics from India but also from other countries to enliven the period he inhabits. Roy Thomas is a member of the "virtual reality" school which has become an important movement among young artists in Kerala.
Diplomes
MFA & BFA (peinture), College of Arts, Delhi, 1993

Expositions solo :
2006- ‘Projected Memories ... Fading Realities’, at ‘Arushi Arts’ New Delhi.
1999 - Kashi Art Café, Kochi, Kerala
1998 - Galleria Mareechika, Times House, Kochi, Kerala.
1998 - The Great Art Gallery, New Delhi.
1995 - Lalit Kala Ackademi, Rabindra Bhavan, New Delhi.
1993 - Treveni Kala Sangam, New Delhi.

Participations :
2007-REAL-
2007, Lalit Kala Academi, Rabindra Bhavan New Delhi.
2006- “A compensation for what has been lost“ New Delhi, HARVEST-2006”
New Delhi, “REAL-2006”Visual Art Gallery, India Habitat Center, New Delhi. “Spirit &Souls Festival”15th Korea-India Modern Art Exchange Exhibition, New Delhi. “Garden of Black Roses” Travancore palace, New Delhi, “Self & identity”, National Gallery of Modern Art, Maldives.
2005’-Double Enders’, Jahangeer art gallery, Mumbai, Vadhera art gallery, Delhi, Gallery sumukha, Bangalore, Darbar Hall kochi, ’ An ode to peace’, Art Junction, New Delhi, ´ Fly High my beloved Dreams’ a tribute to Ashokan Poduwal New Delhi, , ’ self and identity’, India habitat center, New Delhi, ‘60 years of Hiroshima’, Academy of arts , ‘Recent wishes and anxieties of six artists’, New Delhi.’ Being and belongings’ New Delhi,’ Ethnic Colours’ Group show by suryakanti at Durbar hall kochi, kerala, ‘People on progress’ New Delhi. Tsunami distress relief fund Art exhibition, Kochi, Kerala.
2004 – ‘Median’, Exhibition of painting and sculpture,New Delhi. ‘Making of India’, Exhibition organized by SAHAMAT,New Delhi. ‘Invasions” an exhibition by ‘ASK’, New Delhi.
2003 – National exhibition, Guhwati & Hydrabad, contacted by Lalit kala akademi, New Delhi.
2002 –‘Vriksholsav ‘-kashi art café. Kochi.
2001 - Birla Academy of arts, Mumbai. Suryakanthi Art Exhibition, Kovalam, Kerala
2000 – ‘Windows’, Contemporary Art Gallery Durbar Hall, Kochi, Kerala .’ ‘Small but significant’, Academy of Arts New Delhi.
1999 - Mira Center for Arts, New Delhi. ‘Edge Of The Century’, Art Today, New Delhi. ‘Masters Guild’ Rabindra Bhawan, New Delhi. Suryakanthi, Thiruvananthapuram.
1998 – ‘Artists for a Sustainable World’, Academy for Fine Arts and literature, New Delhi. State Exhibition, L.K.A Kochi, Kerala
1997 - “Gift for India” organized by SAHMAT, New Delhi. Birla Academy of Arts, Mumbai State Exhibition L.K.A Kochi, Kerala.
1996 –Indo-Cuban Lalit Kala Akademi New Delhi. Cuban Binnale, Cuba
1995 - ‘Postcard for Gandhi’ exhibition organized by SAHMAT in New Delhi, Mumbai, Baroda, Chennai, Ahmedabad and Calcutta
1993 - National Exhibition, Lalitha Kala Academy, New Delhi Clenbera Art Museum, Japan. College of Art’s 36th Annual Exhibition, New Delhi.
1992 - Doomimal Art Gallery, New Delhi. Summer Show at Gallery Espace, New Delhi College of Art’s 37th Annual Exhibition, New Delhi. 7th Yuva Kalamela, Sahithya Kala Parishad, New Delhi
1991 - Southern Regional Art Exhibition conducted by the Lalitha Kala Academi Regional Centre, Chennai.
1990 - Group show at Venketappa Art Gallery, Bangalore. Onam Festival Exhibition sponsored by KTCD, Kerala. State Exhibition L.K.A Kochi, Kerala
1989 - All India Exhibition, Samskarika Kendra, Ernakulam. Regional art Exhibition, Chennai.
1988 - Graphics ’88, College of Fine Arts, Thiruvananthapuram. State Exhibition L.K.A Kochi, Kerala

Vivek Vilasini

2007-11-03T05:00:00.001-07:00

Né à Trichur, Kerala, 1964
Vit et travaille à Bangalore

Officier radio de la Marine, il a ensuite étudié les Sciences Politiques à l’Université du Kerala avant d’avoir une pratique artistique. Ce parcours atypique l’amène naturellement à avoir un intérêt fort pour les pratiques multimédias.
Vivek Vilasini avec "Between one shore and several other" semble capturer les saveurs du « monde passe-plat » de la mondialisation. Il s’explique en soulignant que son but n'est pas de débattre de ses avantages ou inconvénients mais simplement de la dépeindre.
Vivek participe actuellement, avec 27 artistes photographes et vidéo à ’’India : Public Places, Private Spaces’’ au Newark Museum, New Jersey, EU. Cette exposition explore la vitalité artistique contemporaine Indienne née des changements économiques et politiques, de l'influence envahissante des médias ainsi que de la rivalité entre tradition culturelle et mondialisation.

Born in Trichur, Kerala, 1964
Lives and works in Bangalore

Beginning as a radio officer in the Navy, he then studied political science at the University of Kerala before beginning his artistic practice. This atypical career naturally led him to a strong interest in multimedia techniques.
With "Between one shore and several others", Vivek Vilasini seems to capture the flavor of the "serving-hatch" world of globalization. He explains, emphasizing that his goal is not to debate its benefits and drawbacks, but simply to describe it.
Vivek is currently participating in "India: Public Places, Private Spaces", an exhibit held at the Newark Museum in New Jersey including 27 photographers and video artists. This exhibit explores the vitality of contemporary Indian art born of economic and political change, the invasive influence of media, and the rivalry between cultural traditions and globalization.

Vivek Vilasini a participé à plusieurs expositions de groupe dont :
Arts for Peace, New York, 2007; & the Photographic Exhibition, Sharjah Art Museum, Dubai, 2007; Reading Paint, Gallery Soulflower, Bangkok 2007; Rock, Art Resource Trust, Mumbai, 2006; Satyagraha: Indian and South African Artists, Curated by Jayaram Poduval, New Delhi & Dublin 2006; A Compensation for What Has been Lost, curated by Johnny ML 2006; Waging Peace, Hera Art Gallery, Wakefiled, Rhode Island, EU, 2006; Double Enders, Mumbai, Delhi, Bangalore and Kochi, 2005; I, Me, Myself. Kashi Art Gallery Kochi, 2004; Reclaiming the Lotus. Triveni, Delhi, 2004; Solitude. Visual Arts Gallery. Habitat Center, Delhi and Artist Center, Bombay, 2003

Mithu Sen

2007-11-03T04:42:00.001-07:00

Née à Buran, Ouest Bengale, 1971
Vit et travaille à New Delhi

Mithu Sen, jeune artiste polymorphe influente, pratique l’installation, la vidéo, la photographie et la peinture. Son œuvre, dense et variée, suggère qu'il n'y a aucune forme ou matière qu’elle ne puisse manipuler avec succès pour servir sa vision artistique.
Ses motifs récurrents pris sur et à l'intérieur du corps - cheveux, sang et os – analysent et mettent en doute la notion de sexualité féminine théorisée selon les paramètres masculins.
En associant leur expertise par le jeu de leur art pour créer une œuvre unique, Mithu et son frère, artiste designer Kumar Kanti Sen, renouvellent l’énergie et la synergie de la création artistique contemporaine. L’assemblage de techniques, supports, symboles, formes et textures offre un art qui casse les distinctions artificielles et normatives entre les disciplines que sont les beaux-arts et le design.

Born in Buran, West Bengal, 1971
Lives and works in New Delhi

Mithu Sen, a multitalented and influential young artist, practices installation, video, photography, and painting. Her dense, varied work suggests that there is no form or material she cannot handle successfully in the service of her artistic vision. Recurrent motifs taken from the surface and inside of the body – hair, blood, and bone – analyze and question the concept of feminine sexuality as theorized in accordance with masculine frameworks.
By combining their expertise through their art to create a unique work, Mithu and her brother, the artist and designer Kumar Kanti Sen, renew the energies and synergies of contemporary artistic creation. A combination of techniques, materials, symbols, forms, and textures propose an art that breaks the artificial and normative distinctions between the two disciplines of fine art and design.

Education :
PG Program (Visiting), Glasgow School of Art, RU, 2001
BA & M.F.A Painting, 1991-1997

Expositions personnelles :
‘’Half Full’’, Bose Pacia New York, 2007
Nature Morte, New Delhi, 2007
Horn Please, Kunst Museum, Bern, 2007
Tiger by the tail, Rose Museum, Boston, 2007
It’s Good to be Queen, Bose Pacia, New York 2006
Drawing room, Nature Morte & British Council, New Delhi 2006
Drawing room, Gallery Chemould, Mumbai 2006
I Hate Pink, Lakeeren Art Gallery, Mumbai, 2003
Unbelongings, Machintosh Gallery, Glasgow, Scotland, UK 2001
Can We Really Look Beyond The Map? Art India Style, New Delhi 2000

Expositions de groupe :
Indian Colour, Keumsan Gallery, Seul, Korea 2007 Making/Unmaking, Vadehra Art Gallery, New Delhi, 2007 Indian Art 111/111, Here and Now, Grosvenor Vadehra, London 2007;
Brazil, Art Basel Bose Pacia, Miami 2006;
Avatars of the object, The Guild Art Gallery, Mumbai, 2006 Metrospective: Visual Representations of Metrosexuality, Kitab Mahal, Mumbai, 2005
Tableaux Vivant, Nature Morte- Bose Pacia, New Delhi, 2004 Kaleidoscope, Square One Gallery, New York, 2004
Young contemporary from Shantiniketan Gallery Espace, New Delhi, 2002
Portrait of the Decades, CIMA, Kolkata, 2003
Emerging Trends, CIMA Art Gallery, Kolkata, 1999

Recompenses :
UNESCO ASHBERG scholarship for Brazil, 2005-06
Charles Wallace India Trust Award, UK 2000-01

Sayed Haider Raza

2007-11-03T01:43:00.000-07:00

Né en 1922 à Barbaria, Madya Pradesh, Inde. Vit et travaille en France.

Sayed Haider Raza sera représenté dans cette vente par une œuvre exceptionnelle datée de 1984. Rare par son format imposant, 175x175 cm, cette peinture illustre deux des influences majeurs de l’artiste, celle de l’histoire de l’art abstrait européen et américain, et celle de la pensée Hindou caractérisé par le Bindu, abstraction en soi puisque, par définition symbole du sacré dans son état non manifesté (représenté communément sous la forme d’un simple point appliqué sur le front).

« Dans les années soixante et soixante-dix, des voyages en Inde resensibilisèrent sa faculté de percevoir une vision dernière, suprême et universelle de la nature, non pas en tant qu’apparence, ni en tant que spectacle, mais comme une force à part entière de la vie et de l’expansion cosmique reflétées dans chaque particule élémentaire et dans chaque fibre d’un être humain.

Les cinq éléments qui, dans la pensée hindoue, constituent ce monde-ci, ainsi que d’autres : la terre, l’eau, le feu, le ciel, et l’éther, et leur correspondance avec d’une part, des zones de la conscience de l’esprit humain, et d’autre part, les couleurs : jaune, blanc, rouge, bleu, et noir, s’emparèrent de l’imagination de Raza jusqu’au point d’une complète identification de lui-même avec son œuvre peinte.

La nature devint pour Raza quelque chose qu’il fallait, non point observer ou imaginer, mais expérimenter dans l’acte même de mettre de la peinture sur une toile. La peinture se donne elle-même comme une force naturelle, luttant dans l’obscurité, se brisant à la lumière, volant en éclats dans le froid, brûlant dans la chaleur, essayant de prendre forme et cependant se dissolvant dans le chaos.

Dans certains de ses tableaux, une division de la toile en quatre quadrants ou en quatre triangles semble y retenir à l’intérieur les énergies, les contraignant à des formes structurales dans le tourbillon de la création, tels des cristaux prenant forme dans une matrice plastique. »

Extrait de Rudolf von Leyden « Métamorphose » in Raza, Chemould Publications and Arts, 1985

Born in 1922 in Barbaria, Madya Pradesh, India. Lives and works in France.

Sayed Haider Raza is represented in this auction by an exceptional piece dating from 1984. One of his rare large formats at 175 x 175 cm, the painting illustrates two of the artist's major influences – the history of European and American art history, and Hindu philosophy characterized by Bindu, an abstraction in itself because by definition a symbol of the sacred in its non-manifest state (commonly represented in the form of a single dot applied to the forehead).

"During the sixties and seventies, trips to India reawakened his ability to perceive a final vision of nature, supreme and universal, not as an appearance, nor as a spectacle, but rather as a force in itself for life and cosmic expansion reflected in each elementary particle and each fiber of a human being.

In Hindu thought, the five elements that make up our world are earth, water, fire, the sky, and ether, and their correspondence with areas of consciousness of the human spirit as well as colors – yellow, white, red, blue, and black – conquered Raza's imagination to the point of complete identification of himself with his painted work.

For Raza, nature becomes something that he was not to observe or imagine but rather to experience in the very act of putting paint on the canvas. Painting is itself a natural force, fighting in the dark, breaking in the light, shattering in the cold, burning in the heat, attempting to take form but nevertheless dissolving into chaos.

In some of his paintings, dividing the canvas into four quadrants or four triangles seems to hold energies within its field, forcing them to take structural shapes in the whirlpool creative process like crystals growing in a plastic matrix."

Quoted from Rudolf von Leyden "Metamorphosis" in Raza, Chemould Publications and Arts, 1985

Riyas Komu

2007-11-03T01:18:00.000-07:00

Né en 1971, Kerala, Inde.
Vit et travaille à Bombay.

Diplômé de la J.J. School of Art en 1999 et membre avec, entre autres, Bose Krishnamachari, Jitish Kallat, Justin Ponmany et Tv Santosh du groupe avant-gardiste des « Bombay Boys », Riyas Komu appartient à la tendance émergente du réalisme médiatique.
La variété pleine d'assurance de leur production reflète la diversité de l'Inde contemporaine et suscite un engouement croissant du monde de l’art contemporain international.

Artiste pluridisciplinaire, Riyas Komu pratique en plus de la peinture - qui par sa précision et hyper réalité fait penser à des panneaux publicitaires - la photographie, l’installation, la vidéo et la sculpture.

Komu sollicite avec force l'universel. Il observe la vie et explore la situation paradoxale de la société - locale et globale, rurale et urbaine - ou se chevauche simultanément les limites brouillées qui lient ou séparent les individus.
Concerné par les problèmes de l’immigration, l’oppression, la faim, la violence, l’aliénation…tous liés à l’appartenance sociale et religieuse, son travail est un hommage à l'esprit de ces gens ordinaires dotés de la capacité extraordinaire de survivre contre toute attente.

Artiste visuel stratégique ses photographies sont souvent chargées de signification politique et d’un engagement social.
Sélectionné par le curateur Robert Storr, Riyas Komu participe à la biennale de Venise 2007.

Born in 1971, Kerala, India.
Lives and works in Bombay.

Awarded a degree from the J.J. School of Art in 1999, and a member with Bose Krishnamachari, Jitish Kallat, Justin Ponmany and Tv Santosh of the avant-garde group known as the "Bombay Boys", Riyas Komu belongs to an emerging trend towards mediatic realism.
The confident variety of their production reflects the diversity of contemporary India which has been increasingly appreciated by the world of international contemporary art.

A multidisciplinary artist, Riyas Komu also practices photography, installation, video, and sculpture in addition to painting – where his precise, hyperrealist style suggests advertising billboards.

Komu strongly solicits the universal. He observes life and explores the paradoxical situation of society – local and global, rural and urban – where the confused limits that link or separate individuals simultaneously overlap. Concerned with issues such as immigration, oppression, hunger, violence, alienation – all linked to social and religious origins – his work is a homage to the spirit of ordinary people with the extraordinary capacity to survive against all expectations.

As a visual artist with a clear strategy, his photographs are often charged with political meaning and social commitment.

Selected by the curator Robert Storr, Riyas Komu participated in the latest Venice 2007 biennale.

Expositions personnelles
2006 Systematic Citizen, Palette Art Gallery, New Delhi
2006 Faith Accompli, Sakshi Gallery, Mumbai
2005 The Third Day, Lalit Kala Academy, Rabindra Bhavan, New Delhi presente par Sakshi Gallery, Mumbai
2005 GRASS, photography show, The Guild Art Gallery,Mumbai
2003 Sarasu, photography show on Raja Ravi Verma Press , The Guild Art Gallery, Mumbai
2002 UNCONDITIONAL, Sakshi Gallery, Mumbai
2002 - 2003 AMBULANCE, Renaissance Art Gallery, Bangalore

Select Group Exhibitions:
2007
Documenta 12, Kassel.
Think with the Senses - Feel with the Mind. Art in the Present Tense, 52nd International Art Exhibition, Venice Biennale.
INDIA NOW:Contemporary Indian Art Between Continuity and Transformation, Provincia di Milano, Milan, Italy .
INDIA TIME,Galleria Paolo Curti/Annamaria Gambuzzi, Milan, Italy
Group show, Christian Hosp, Austria
New Wave: Contemporary Indian Art, Aicon Gallery,London.
Grid, Bodhi Art Gallery, New Dehli.
Photographs, Guild Art Gallery, Mumbai, India
Other, Aicon Gallery, London.
Annual show, Sakshi Gallery, Mumbai, India
I Fear I Believe I Desire, Gallery Espace, New Delhi, India

2006
Bronze, sculpture show, Rabindra Bhavan, New Delhi, India.
Art on the Beach, Made by Indians, St Tropez, Gallery Enrico Navarra, Paris, France.
On Difference #2 (represented Korea), Wurtt. Kunstverein Stuttgart, Germany.
Maarkers, Bodhi Art Gallery, Mumbai.
Red Earth And The Pouring Rain, Lanxess ABS Gallery, Baroda
Viart, Annual show, New Delhi
Strangeness, Anant Art Gallery, Kolkatta

2005
KAam, Arts India Gallery, New York, Palo Alto
Span, Sakshi Gallery, Mumbai, India
Endless Terrain, Lalit Kala Academy, Rabindra Bhavan, New Delhi Double Enders, Mumbai, Delhi, Bangalore, Cochin, India
Present Future, National Gallery of Modern Art, Mumbai, Configurations, Anant Art Gallery, New Delhi, India
Are we like this only? , Rabindra Bhavan, New Delhi, India
Whose space is it anyway? ,Gallery Espace, New Delhi.
Mannat Jali, Marine Drive, Mumbai, India
Public Art Project, Gallery Chemould, Mumbai, India
World Social Forum, Brazil.

2004
Group show during VASL Residency, Karachi, Inde
Anticipations, Museum Gallery, Mumbai.
Bombay Boys, Palette Art Gallery, New Delhi, India.
A New Mediatic Realism, Bayer ABS Gallery, Baroda, India.
Generation I, Saffron Art Gallery, Mumbai, India.
RED, Palette Art Gallery, New Delhi, India.
Mumbai x 17, Kashi Art Gallery, Cochin, India.
2003
Crossing Generations :Diverge, 40 years of Gallery Chemould, National Gallery of Modern Art, Mumbai, India
Highlights, Sakshi Gallery, Mumbai, India
2D/3D, Visual Art Center, Hong Kong
Ideas and Images, National Gallery of Modern Art, Mumbai, India Art for Art/ Switzerland Meets India, Kala Ghoda Festival, Mumbai, India

The 'Harmony Excellence Award for Emerging Artist of the Year' was instituted in 1998.

Sa série photographique, Karachi , témoigne de la façon dont l'incurie des hommes détruit la dignité des cimetières au Pakistan.
Dans une image, des pierres tombales et des arbres déracinés flottent ironiquement à travers un cimetière musulman inondé. Dans une autre, un ange isolé, vu de dos, surgit perpendiculaire aux pierres tombales chrétiennes en ruine. La série fait écho à Héraclite pour qui tout est fleuve de changement constant, balayé par le courant du temps. Elle rappelle aussi Nataraja dans sa façon de transformer l'effacement en relance. Cette série illustre le dépassement des traditions ethniques et la façon dont l'artiste joue avec les influences occidentales, tout en restant vraiment indien.

The Karachi Series are black and white images of cemeteries in Pakistan. They portray the marks of natural forces - time and weather - which, due to human neglect, have broken down the dignity of the burial grounds. In a photograph of a flooded Islamic cemetery, tombstones along with uprooted trees ironically float past. Another image, this time an abandoned Christian cemetery, depicts an isolated, erect angel seen from the back hovering, in a cross-like contradiction, perpendicularly to the tombstones fallen in ruin. The series treats various religions through the optic of Heraclitus' philosophy (uncannily echoing that of the Buddha) encapsulated in the words 'Panta Rei' that all is just a river of constant change ultimately swept away as time flows and ever renewed. (Deborah Jenner)

Manjunath Kamath

2007-11-03T00:51:00.000-07:00

Ne en 1972, Mangalore, Inde
Vit et travaille à New Delhi.

Manjunath Kamath, par la pratique de la peinture, du dessin, de la sculpture et de la vidéo raconte des histoires qui sont uniques dans leur contenu et leur articulation.

Des images curieuses apparaissent sur sa toile et ses peintures se lisent comme une histoire. Manjunath Kamath explique :
"Je peux jouer avec l’espace, je peux placer mes images comme je le veux et je peux créer des histoires incroyables que vous devez croire. Comme les histoires que me racontait ma grand-mère quand j’étais petit". Et de préciser :" L'Art, pour moi, est un pont qui connecte non seulement deux espaces, mais aussi deux époques. "

Kamath emploie une technique de narration fragmentée tout en essayant de peindre le vide. (Il se serait inspiré du travail de Prabhakar Barwe pour structurer le vide).
Ses travaux de couleurs vives sont un mélange éclectique de fantaisie et de réalisme. Par d’habiles permutations et combinaisons, il crée des calembours visuels qui défient la logique et présentent des allégories absurdes.
Chacun de ses tableaux exige l'attention du spectateur qui se questionne en confrontant le titre à l’espace presque vide du tableau. Un espace illusionniste où flottent les éléments ordinaires du quotidien qui, assemblés selon la fantaisie de l’artiste, semblent surréalistes.

Born in 1972, Mangalore, India
Lives and works in New Delhi.

Manjunath Kamath tells stories through his use of painting, drawing, sculpture, and video, stories that are unique in content and organization.

Curious images appear on his canvases, and his paintings can be read like a story. Manjunath Kamath explains:
"I can play with space, I can place my images as I like, and I can create incredibly stories that you will have to believe. Like the stories my grandmother used to tell me when I was small." He adds: "For me, art is a bridge that not only connects two spaces, but also two epochs."

Kamath uses a fragmented narration technique while attempting to paint the void (he has been inspired by the work of Prabhakar Barwe in organization emptiness).His work with bright colors show an eclectic mixture of imagination and realism. Using clever permutations and combinations, he creates visual puns that defy logic and present absurd allegories. Each of his paintings requires the full attention of the viewers, who question themselves by confronting the title of the almost empty space of the painting. An illusionistic space where ordinary objects from daily life float and, assembled by the artist's imagination, take on a surrealist tinge.

Expositions personnelles
‘Something Happened’, Gallery Espace New Delhi, 2006.
‘About Something’ One Man Show, Shridarani Gallery, New Delhi, 1996.

Expositions collectives majeures
Gulf Art Fair, Dubai, 2007
Thermocline of Art-New Asian Waves ZKM, Museum of Contemporary Art, Karlsruhe, Germany (2007)
Hibrid Trend, Hangaram Museum, Seoul, Korea (2006);
‘Paper Flute’ Gallery Espace New Delhi, 2006.
‘Back to the Future’ Gallery Espace New Delhi, 2006.
'Dot and pixel' Gallery Espace New Delhi & Gallery Sumukha Bangalore, 2004.
Sheesha - Indo-French Art Show, Sanskriti Kendra, New Delhi, 2003.
CHROMA – Indo-Norwegian Art Show, Visual Art Gallery, New Delhi, 2003.
Photo print - Nature Morte New Delhi, 2003.
Screened Animated video, UGC Hall, Cardiff, UK, 2003.
Four cities- Tao art gallery Mumbai, 2002.
Digital art exhibition- Sakshi Gallery Mumbai, 2002.
Art on move project- organised by sahmat New Delhi, 2001.
Print etc .com - Max Muller Bhavan, New Delhi, 2001.
‘Buddha laugh again’ - academy of fine arts New Delhi, 2000.
Young contemporaries - French embassy New Delhi, 1999.
Edge of The Century' New Delhi, 1999.
Four young artists- Gallery Espace New Delhi, 1997.

Projets media & installations
Animated sketch book gallery Espace New Delhi, 2004.
Digital film screening at ugc hall Cardiff UK, 2002.
Let me fool you’ interactive art project, print etc .com Max Muller Bhavan New Delhi, 2000.
‘To be continued’ animated art work Jyothi auditorium Baroda, 2000.

Gauri Gill

2007-11-02T10:28:00.001-07:00

Née en 1970, New Delhi
Vit et travaille à New Delhi

Gauri Gill fait partie de cette génération de photographes qui ressent le besoin de traduire en clichés et en images la société vaste et très codée qu'est l’Inde. Elle travaille sur des séries à long terme, ses projets en cours sont : Urban Landscape - the changing Indian city (notre sélection, depuis 2003), Nizamuddin at night (depuis 2005), Life in three rural communities of Western Rajasthan (depuis 1999), The Americans – the Indian Diaspora in the United States (depuis 2000).

Gauri Gill photographie la métropole urbaine pour en exprimer son injustice sociale et sa désolation. Les images tout en pénombre et sans aucune présence humaine posent un débat psychologique. L’artiste, au cours d’une promenade à la découverte d’espaces intimes ou publiques, où rien ne semble se produire, nous offre une vision détachée et mélancolique de l’Inde

L’œuvre intitulée « Ghaziabad » (nom de la cité industrielle de l’Uttar Pradesh), offre au regard le vestibule de ce qui semble être une demeure de riche industriel Indien. L’espace est vaste, comme vide (il est à noter que la notion du vide n’est pas la même selon les cultures, du simple nécessaire à l’extravagante profusion), ouvert sur l’extérieur. Le mobilier y est réduit à sa plus simple expression. Le bas relief recouvrant le mur du fond symbolise la modernité de l’ère industrielle, l’abstraction y est celle d’une machinerie décorative à la Fernand Léger. Seuls deux chiens gardent cet espace latent et semblent, à travers leurs regards adressés au photographe, exprimer tout le poids d’un climat propice à faire courber l’échine des plus aguerris. Le temps est comme suspendu. Une pause et un temps de pose se superposent pour donner naissance à cette œuvre sur papier glacée.

A work entitled "Ghaziabad", the name of the industrial city of Uttar Pradesh, gives the viewer a look into the vestibule of what appears to be the home of a wealthy Indian industrialist. The space is huge, seemingly empty (note that the concept of the void is different in different cultures, from the simplicity of the necessary to an extravagant profusion), open to the outside. The furniture is reduced to its simplest expression. The bas relief covering the wall in the back illustrates the modernity of the industrial era, abstracted in the same style as a decorative machined à la Fernand Léger. Only two dogs guard this latent space, and their gaze at the photograph seems to express the heavy burden of a climate to which even the toughest must bow. Time is suspended. A pause and the exposure time are superimposed to give birth to this work printed on glossy paper.

Born in 1970, New Delhi
Lives and works in New Delhi

Gauri Gill is one of that generation of photographers who feel the need to translate into photographs and images the vast, strictly coded society of India. She works in long term series. Current projects: Urban Landscape - the changing Indian city (our selection, since 2003), Nizamuddin at night (since 2005), Life in three rural communities of Western Rajasthan (since 1999), The Americans – the Indian Diaspora in the United States (since 2000).

Gauri Gill photographs the urban metropolis to express its rampant social injustices and its desolation. The images, all dimly lit and devoid of any human presence, generate a psychological debate. The artist offers us a detached, melancholic vision of India as she wanders in search of intimate or public spaces where nothing seems to be happening.

Education :
B.F.A College of Art Delhi, 1992 ; B.F.A Photography Parsons School of Design, NY, 1994 ; M.F.A Photographie Stanford University, CA, 2002

Expositions :
Frieze Art Fair, Londres, 2007
'Public Places, Private Spaces' - Contemporary Photography and Video from India, The Newark Museum,U.S.A & Photoquai, Musee du Quay Branly, Paris, 2007
'I feel I believe I desire', Gallery Espace, New Delhi, 2007
'Relative Values' John Hansard gallery, Southampton U.K. 2007
'Women Photographers from SAARC countries' Italien Cultural Center, New Delhi, 2005
'Award Winners Show', Fifty Crows Foundation, San Francisco 2002
'In Black and White', divers villes en Inde & Admit One Gallery, New York 1998
'Alliance Francaise Prizewinners Exhibition', New Delhi 1995.
Récompenses :
The Fifty Crows/Mother Jones Award for documentary photography, 2002

Rahul Mukherjee

2007-11-02T10:23:00.001-07:00

Rahul Mukherjee est né en 1975. Diplômé du College of Art de New Delhi il poursuit ses études à la fameuse M.S. University de Baroda. C’est dans cette Ecole d’Art que nombre des plus grands artistes nés dans les années 1930 ont enseignés (Gulam Mohamed Sheikh, Bhupen Khakhar, Jyoti Bhatt parmi ceux proches du langage plastique dont a hérité Rahul Mukherjee) et c’est de cette école que viennent naturellement plusieurs artistes contemporains, aujourd’hui les plus en vue sur la scène internationale.
La très jeune œuvre de Rahul Mukherjee paraît de prime abord, particulièrement pour le regard d’un occidental, être exclusivement influencée par une forme de surréalisme. Si l’artiste joue certainement de cette influence culturelle apprise au cours de ses longues études, il est certain, que vient se mêler à cette influence livresque celle de la rue et de ces innombrables images représentant le non moins prolifique panthéon de déesses et de dieux hindous. Ici, les mythes se télescopent comme les stars de cinéma s’arrachent le devant de l’affiche. Gandhi ramasse une poignée de sel tandis qu’un colosse Hanumam, le dieu singe, image du parfait disciple admirateur de Râma et avatar de Vishnu, porte sur ses épaules une montagne encore simplement esquissée d’un trait dans un bloc de pierre dont elle sera un jour issue. La mise en abîme de personnages semblable à des Gandhi lilliputiens évoquent la fuite du temps, l’équilibre et le déséquilibre des forces en mouvement. En son ombre, le colosse porte, en lieu et place du simple bloc de pierre, une forteresse.
On le voit, aussitôt esquissée en quelques lignes, cette œuvre nous amène, avec facétie, à la croisée des chemins, des pistes, des connaissances. Le kaléidoscope culturel est aussi l’une des forces de l’art contemporain Indien.

Rahul Mukherjee was born in 1975. With a degree from the New Delhi College of Art, he continued his studies at the famous M.S. University of Baroda. This is the art school that brought together some of the greatest artists of the generation born in the 1930's as professors (Gulam Mohamed Sheikh, Bhupen Khakhar, Jyoti Bhatt among those close to the esthetic language inherited by Rahul Mukherjee) and naturally it is from this school that many of the high-visibility contemporary artists on the international scene have come.
Rahul Mukherjee's current work may appear, especially to a Western eye, to have been exclusively influence by a form of surrealism. Although the artist certainly plays on this cultural influence, acquired during his long studies, nevertheless this bookish influence is mixed with the impact of the street and the innumerable images representing the equally prolific pantheon of Hindu gods and goddesses. Here myths collide and overlap not unlike movie stars competing for top billing. Gandhi picks up a handful of salt while the colossus Hanumam, the monkey god, image of the perfect worshiping disciple of Râma and an avatar of Vishnu, holds on his shoulders a mountain that is only sketched in with a few lines on a block of stone from which it will emerge one day. The top-down view on figures like Lilliputian Gandhi's suggests the passage of time, the balance and imbalance of forces in movement. The shadow of the colossus holds not a block of stone on his shoulders but a fortress.
We can see, sketched out in a few lines, a work that brings us humorously to a crossing of roads, paths, knowledge. The cultural kaleidoscope is also one of the strengths of contemporary Indian art.

Expositions
Group Show of four artists, Gallerie Alternatives, July 2007.
Mapping Baroda’, Art Room Gallery, New Delhi, 2007.
‘Art & Design’-Elle Show, Curated by Dr. Alka Pande, Oberoi Hotel, Mumbai, 2007.
Tryst with Telangana’, Sarjan Art Gallery, Baroda. 2007.
Group show by Art Room & Reddotart Gallery (Mumbai), New Delhi. 2006.
Synchrome – 3’, Akar Prakar Gallery, Kolkata. 2006.
“Nomenclature 2 – Who’s Who?” by Red Earth Art Galleries Pvt. Ltd. at LANXESS ABS Gallery, Baroda. 2006.
‘11th Harmony Art Show’, Nehru Centre, Worli, Mumbai. 2006.
‘Contemporary Indian Art’ by Lalit Kala Akademi at Myanmar. 2006.
Online Exhibition by Vikram Sethi on www.thearttrust.com, Mumbai. 2005.
‘Nomenclature–A Rethinking’, a group show at Lanxess ABS Gallery, Baroda. 2005.
‘Detour’, a Group Show at Gallery 88, Mumbai. 2005
‘Generation – To & Fro’, an Exhibition of 65 Senior & Young Contemporary Artists of Baroda. 2005.
‘Transgress’, a Group Show at Priyasri Art Gallery, Mumbai.2004.
‘Urban confluence’, a Group Show at Shridharani Gallery sponsored by Apparao Gallery, New Delhi. 2004
‘The Picture Family’ a Group Show at Apparao Gallery, Chennai. 2004
‘ Art & Design’, an exhibitions of paintings at Oberoi Hotel, New Delhi.2004
Genre of Imagination’, a Group Show at Jehangir Art Gallery, Mumbai. 2004.
‘Group – Ungroup‘, a Group Show of Nine Baroda Based Artists at Lalit Kala Akademi, Rabindra Bhavan, New Delhi. 2004.
Feb Group show, 21 Artists, Faculty of Fine Arts, Baroda. 2003.
‘Voices Against Violence’, organized by Citizens Confluence, at Faculty of Fine Arts, Baroda. 2002.

Collections:
British Embassy, Lalit Kala Akademi, Sales Tax Office, College of Art, (Mumbai) Osians, Welcom Hotel and many other private collections at Delhi, Mumbai, Kolkata, Hyderabad, Bangalore, Nagpur, Leicestershire (U.K.), Singapore, Sharjah, Shakti Barman(Paris), California (U.S.A.), Germany & South Africa.

Sunil Gupta

2007-11-02T10:18:00.000-07:00

Né à Delhi en 1953.
A grandit à Montréal et étudié à New York
Partage son temps entre New Delhi et Londres

Artiste photographe acclamé dans le monde entier, Sunil Gupta est issu de cette génération prolifique de la diaspora qui est apparue sur la scène artistique du Royaume-Uni dans les années 80. Par son travail, il défie les stéréotypes et questionne les convictions. Il explore les problèmes de race, genre et sexualité ainsi que les questions qui en découlent : culture, frontière et identité.

‘Homelands’ ou ‘Patries’ est une série de photographies autobiographiques de grand format qui racontent le voyage de l'artiste de l’Inde vers ses pays d’adoption le Canada, les Etats-unis et l'Angleterre. Touriste de sa propre histoire, son travail reflète cette exploration entre le passé, le présent et les identités. Au cours des années, Sunil Gupta a photographié l'Inde développant ainsi son album de famille personnel à la recherche de la compréhension de son passé ancestral, et de sa place dans l'histoire.
Photos documentaires en couleur, les images juxtaposées sont présentées en diptyques pour explorer les connections et conflits qui s’établissent entre deux lieux, deux espaces et deux époques ; Est-Ouest, interieur-exterieur. Gupta confronte ces images, pareilles à des voyages visuels, en tant qu’artiste activiste porteur du virus H.I.V et homme dont la vie en Europe diffère tant de celle qu’il aurait vécue s’il n’avait jamais quitté l’Inde.
Sur la partie gauche de la plupart des diptyques il y a le plus souvent ses photographies de l’Inde : murs de couleurs, peints ,défraîchis…et, en lieu et place parfois de ces extérieurs, il y a Sunil dans une pièce, presque nu : classicisme, intimité, fragilité. A droite, les villes, les maisons, la famille et là de nouveau Sunil. Sunil apparaissant dans les deux endroits, émigre/immigre d’un monde à l’autre.
Pour Le diptyque Ajmer, Rajasthan / Great Yarmouth, Nova Scotia, Gupta photographie une publicité murale représentant des hommes hyper musclés. Rares dans la culture classique indienne les body builders envahissent l’univers quotidien de la réclame influencé par les nouveaux mythes américains des années 1980, de Stalone à Swarzeneger. Complément de ce diptyque, photo d’un magasin Dairy Queen, manifestation nettement Nord américaine de la culture de consommation ; jeux de mots, anagramme, on pourrait y lire : Queen Diary.
L’œuvre de Sunil Gupta a été vu récemment aux Rencontres photographiques d’Arles 2007 et dans la fameuse exposition de groupe consacrée à l’art contemporain Indien « Please Horn » au Museumkunst de Berne.

Born in Dehli 1953.
Grew up in Montreal and studied in New York
Shares his time between New Delhi and London

An artist and photographer acclaimed throughout the world, Sunil Gupta emerged from the prolific generation from the diaspora that appeared on the British art scene in the 1980s. His work defies stereotypes and questions convictions. He explores problems of race, gender, and sexuality as well the related questions of culture, frontier, and identity.

‘Homelands’ is a series of large-format autobiographical photographs that tell the story of the artist's voyage from India towards his adopted countries – Canada, the United States, and England. A tourist visiting his own history, his work reflects an exploration of the past, present and identities. Over the years Sunil Gupta has photographed developing India as well as his personal family album, looking for an understanding of his ancestral past and his place in history.
Documentary photos in color, the juxtaposed images are presented in diptychs to explore the connections and conflicts that are established between two places, two spaces, and two epochs: East-West, inside-outside. Gupta opposes these images, similar to visual voyages, as an activist artist infected with the HIV virus and a man whose life in Europe is so different from what he would have experienced if he had never left India.
On the left side of most of the diptychs are usually his photographs of India: walls of color, painted, faded… and, instead of these exteriors, Sunil is seen in a room, almost naked – classicism, intimacy, fragility. To the right, the towns, houses, family, and then once again Sunil. Sunil appears in both places, an emigrant/immigrant from one world to the other.
For the diptych Ajmer, Rajasthan / Great Yarmouth, Nova Scotia, Gupta photographs a wall advertisement representing men with overdeveloped muscles. Rare in traditional Indian culture, body-builders are invading the everyday universe of advertising, influenced by the new American myths of the 1980s from Stalone to Schwarzenegger. In addition to this diptych, a photo of a Dairy Queen, a clearly North American reference to the consumer culture; a play of words, an anagram… we could read "Queen Diary".

Sunil Gupta's has recently been exhibited at the Rencontres photographiques d’Arles 2007 and in the famous group exhibit devoted to Indian contemporary art: "Please Horn" at the Museumkunst in Bern.

Background
Diplome Photography, West Surrey College of Art & Design,1981.
Master's degree in Photography at the Royal College of Art (RCA), London, 1983

Expositions :
Solo show in India, England, Canada and the USA.

Les Rencontres d’Arles, photographie. Arles 2007.
Please Horn, Kunstmuseum, Berne 2007.
Bombay Art Gallery, Mumbay 2007
Belfast Exposed Photography, Belfast 2007
Canadian Museum of Contemporary Photography, Ottawa, 2005-2006
‘Self Evident’ & ‘Exiles’ Tate Britain, 2002– 2003.
’Homelands’, Londres & Admit One Gallery, New York, 2001
‘From Here to Eternity’, Gallery Sepulchar, Manille & Admit One Gallery, New York, 2000.

Raghu Rai

2007-11-02T10:12:00.000-07:00

Né en 1942, Jhhang, Pakistan
Vit et travaille à New Delhi

La rigueur intuitive est une des pierres angulaires de la pratique photographique de Raghu Rai, l’un des plus grands photographes Indiens. Membre de l’agence Magnum depuis 1977, il est reconnu pour la franchise de son travail avec notamment ses photos d’Indira Gandhi et de la tragédie de Bhopal. Le photographe nous livre une vision personnelle de l’Inde. Ses regards transmettent sa propre vision de la réalité de cette terre devenant créateur de tableaux réels et pourtant composés. Les présences humaines, en conjonction avec leur environnement naturel, jouent un rôle clé dans la plupart des images de Rai, images dans lesquelles les particularités du quotidien deviennent palpables.
Depuis quelques années, le marché indien de la photographie progresse, emmené par la fièvre qui sévit sur le marche de l’art international. Certains investisseurs et collectionneurs se tournent vers la photographie, plus abordable que la peinture, sculpture ou installations, même pour un maître comme Raghu Rai. Ils y voient l’opportunité de soutenir un art qui est par nature, plus réaliste et plus accessible.
Les connaisseurs disent que le médium semble de plus en plus introspectif, et présente une chronique des contradictions et des changements de l'Inde moderne.

« Quand, assis devant le portrait de son gourou, l’élégant et ardent Raghu Rai parle de l’acte de photographier, il avoue bien vite qu’au bout d’un moment, sous l’impulsion d’un bonheur et d’un vertige irrépressibles, il lui prend comme une envie de danser autour de son sujet. L’œil vissé à son viseur, il vit au cœur d’un pays-muse qui le comble et le vénère. Omnivoyant, il résout l’équation des trois termes « Inde », « Humanité » et « Photographie » en une symbiose naturelle, quasi organique, où se mêlent accomplissements personnel, artistique et mystique. À 65 ans, fort de cette alchimie euphorique, il vit avec l'émerveillement d’un enfant l’avènement du numérique qui lui permet d’avoir enfin le contrôle absolu sur tous les stades de la fabrication prolifique de ses icônes. »Extrait de la présentation de Ragu Rai, Rencontres d’Arles 2007

Born in 1942, Jhhang, Pakistan
Lives and works in New Delhi

Intuitive rigor is one of the keystones of the photographic approach of Raghu Rai, one of India's greatest photographers. A member of the Magnum agency since 1977, he is recognized for the honesty of his work, especially in his photographs of Indira Gandhi and the Bhopal tragedy. The photographer offers us his personal vision of India. His work transmits his own vision of the reality of this land, becoming a creator of realistic yet carefully composed tableaux. Human presences in conjunction with their natural environment play a key role in most of Rai's images, where the particularities of the daily round become palpable.
Over the last several years the Indian photography market has been growing, stimulated by the feverish enthusiasm of the international art market. Some investors and collectors are turning to photography, more affordable than painting, sculpture, or installation art, even from a master like Raghu Rai. They see an opportunity to support an art that is by nature more realistic and accessible.
Connoisseurs say that the medium seems to be increasingly introspective, presenting a chronicle of the contradictions and changes in modern India.

"When, seated before a portrait of his guru, the elegant and ardent Raghu Rai talks about the act of photographing, he quickly admits that after a while, stimulated by happiness and irrepressible vertigo, he is possessed by a desire to dance around his subject. Eye fixed to the viewfIndiar, he lives at the heart of a muse-country that fulfills and venerates him. All-seeing, he resolves an equation with three variables: "India", "Humanity", and "Photography" in a natural, almost organic symbiosis where personal, artistic, and mystical accomplishments mingle. At age 65, strengthened by this euphoric alchemy, he is experiencing with the wonder of a child the rise of the digital, which finally has provided him with total control over all the stages of the prolific development of his icons." Quote from the presentation of Ragu Rai, Rencontres d’Arles 2007

Récompenses :
Nombreux prix nationaux et internationaux, dont 'Padmashree Award 1971 & Photographe de l’annee, EU, 1992
Expositions internationales :

Rencontres photographiques d’Arles, Arles 2007.
Londres, Paris, New York, Hambourg, Prague, Tokyo, Zurich et Sydney
Bodhi Art, Delhi, 2006
Musei Capitolini Centrale Montemartini, Rome, Italie, 2005
Exposure: Portrait of a Corporate Crime - University of Michigan, Ann Arbor, USA, 2003
‘Bhopal - Sala Consiliare, Venice, Italy; Photographic Gallery, Helsinki, Finland
Raghu Rai’s India - A Retrospective – Photofusion, London, UK, 2002
Retrospective - National Gallery of Modern Art, New Delhi, India, 1997

Collection : Bibliotheque Nationale de Paris

Publications régulières dans ‘’Time", "Life", "GEO", "The New York Times", "Sunday Times", "Newsweek", "The Independent," and the "New Yorker

Arpana Caur

2007-11-02T10:05:00.001-07:00

Née à New Delhi, 1954
Vit et travaille à New Delhi

Profondément humaniste, Arpana Caur se préoccupe de la cause des femmes en Inde.
Les influences d'Arpana Caur sont issues de la littérature populaire du Pendjab, des peintures miniatures traditionnelles et des motifs de l’art tribal - elle a collaboré avec des artistes Warli et Gond.
Brillamment colorées la plupart de ses compositions ont un thème spirituel et prêchent la philosophie de la tolérance.
Sur sa toile, dans un univers apparemment infini, Arpana libère les figures qui résonnent avec une force silencieuse teintée d’anxiété.
En symbolisant picturalement la force et le pouvoir des femmes Arpana offre un commentaire philosophique et politique.

Born in New Delhi, 1954
Lives and works in New Delhi

A profound humanist, Arpana Caur is deeply concerned with the cause of women in India. Arpana Caur has been influenced by the popular literature of Pendjab, traditional miniature painting, and motifs from tribal art. She has collaborated with the artists Warli and Gond.
Most of her brilliantly colored compositions have a spiritual theme and preach the philosophy of tolerance. On her canvas, in a seemingly infinite universe, Arpana liberates figures that resonate with a silent strength tained with anxiety. By pictorially symbolizing the strength and power of women, Arpana provides a philosophical and political commentary.

Depuis 1975 Arpana participe à de nombreuses expositions personnelles et de groupe en Inde et a l’étranger :
Expo personnelles : Indigo Blue Art Gallery, Singapour, 2006 ; Galerie Muller &Plate, Munich, 2004 ; October Gallery, Londres, 2003 ; Bose Pacia Gallery, New York, 1999…
Ses œuvres font partie des collections privées et publiques :
NGMA, New Delhi, Ethnographique Museum Stockholm, Kust Museum Dusseldorf, Victoria & Albert Museum London, Glenberra Museum Japan, Singapore Museum of Modern Art.

Jyoti Bhatt

2007-11-02T09:48:00.000-07:00

Né en 1934 Bhavnagar, Gujarat
Vit et travaille à Vadodara.

Diplôme M.S. Université de Baroda (sous la direction de Subramanyan et Bendre)

Membre du ‘Group 1890’ forme par J. Swaminathan en 1962, avec Jeram Patel, Himmat Shah, Raghav Kanneria et G. Sheikh.

Artiste fertile, Jyoti Bhatt utilisent de nombreux modes d’expressions : gravure, sérigraphie, photographie et peinture. Le medium et le sujet varient toujours, mais le but reste constant. Pour Bhatt, l’art est un moyen de documenter et d’illustrer son environnement. La photographie l’a conduit à approcher de nombreuses formes d’arts rituels et éphémères encore si vivaces en Inde. Enseignant à la fameuse école d’art de Baroda, il est un des acteurs et témoins privilégiés de la scène artistique la plus novatrice. Dans sa démarche qui vise a perpétuer l’héritage Indien en une expérience contemporaine esthétique, il utilise les motifs stylisés aux couleurs vives des tissus et broderies, les rangoli (les motifs dessinés sur le sol à l’entrée des temples et des maisons) ainsi que la calligraphie de sa région de Saurashtra.
Jyoti Bhatt réinvente le visuel esthétique, son style éclectique est tantôt décoratif, figuratif ou narratif.
Il découle de ce mélange des genres un art surprenant qui transgresse toutes les frontières entre l’art populaire et les beaux-arts, le rural et l’Urbain, le symbolique et le décoratif.

Born in 1934, Bhavnagar, Gujarat
Lives and works in Vadodara.

Degree from M.S. University of Baroda (supervised by Subramanyan and Bendre)

Member of ‘Group 1890’ founded by J. Swaminathan in 1962 with Jeram Patel, Himmat Shah, Raghav Kanneria, and G. Sheikh.

An artist of fertile imagination, Jyoti Bhatt uses many different techniques: engraving, silk-screen, photography, and painting. The medium and subject always vary, but the goal remains the same. For Bhatt, art is a means to document and illustrate his environment. Photography has led him to approach the many forms of ritual, ephemeral art still alive and well in India. A teacher at the famous Baroda art school, he is one of the actors and privileged witnesses of the most innovative artistic scene. In his approach, which seeks to perpetuate the Indian heritage in a contemporary esthetic experience, he uses stylized motifs in the bright colors of fabrics and embroidery, rangoli (motifs drawn on the ground at the entrance to temples and houses), as well as calligraphy from his region, Saurashtra.
Jyoti Bhatt reinvents the visual esthetic in his eclectic style that is sometimes decorative, sometimes figurative, sometimes narrative. From this mixture of genres emerges a surprising art that crosses all the frontiers between popular and fine arts, the rural and urban, and the symbolic and decorative.

Expositions :
Lalit Kala Akademi, New Delhi
Bombay Art Society, Bombay
Kalidasa Art, Ujjain
Bienneale jeunes artistes, Paris 1959-61
Group 1890, New Delhi, 1963
Triennale SaoPaulo, Bresil, 1969
Painters with camera, Bombay, 1969
Through the Indian Eyes, Indian Photographers Show, Holland.
Six Indian Photographers, Museum of Modern Art, Oxford.
1998 Multimedia- Art of the 90s, CIMA Art Gallery, Calcutta.
1998 Printed Image- An Overview Retrospective Exhb. of Graphic Prints
1999 Solo exhb., Centre for Photography, National Center for Policy Analysis and The Indira Gandhi National Centre for the Arts, New Delhi. Icons and Symbols, CIMA Art Gallery, Kolkata.
2004 Printed Image- An Overview Retrospective Exhb. of Graphic Prints, ABS Bayer Gallery, Baroda.
2005 Manifestations III, organised by Delhi Art Gallery, Nehru Cente

Collection :
National Gallery of Modern Art, New Delhi.
Lalit Kala Akademi, New Delhi.
The Indira Gandhi National Centre for the Arts, New Delhi.
Craft Museum, New Delhi.
Art Heritage, New Delhi.
Museum of Modern Art, New York.
Smith Sonnian Museum, Washington DC.
Pratt Graphic Art Center, New York.
Uffizi Gallery, Florence.
Düsseldorf Art Museum, Düsseldorf.
British Museum, London.
Bharat Bhavan, Bhopal.
Centre for Photography, National Center for Policy Analysis, Mumbai.
CIMA, Kolkata.
Delhi Art Gallery, New Delhi.

Recompenses :
Lalit Kala Akademi, New Delhi, 1963
1e prix timbre postal 25e anniversaire de l’Indépendance
1e prix gravure 1967
Médaille d’or, Inter print Biennale, Italy
World photo contest, Fotonika, Allemagne, 1978
Hon. Doctorate, Rabindra Bharati University, Kolkata, 2004

Jogen Chowdhury

2007-11-02T09:29:00.001-07:00

Jogen Chowdhury est né en 1939 à Daharpara, Faridpur, Bengale (aujourd’hui Bangladesh). Après avoir vécu dans l’atmosphère paisible d’un village, la famille Chowdhury se réfugie, suite à la partition séparant le Bengale en deux, à Calcutta. Vit et travaille à Santiniketan.

Jogen Chowdhury est connu pour sa capacité à marier avec succès l’imagerie populaire et l’histoire de l’art. Etudiant, il fréquente les milieux intellectuels de gauche animés entre autres par Rabindranath Tagore, mais c’est surtout le contexte culturel, au sens large du terme, du Bengale qui agira sur son œuvre. Sa période de vie à Calcutta va être marquée par l’agitation politique propre à cette ville, considérée par certain comme la capitale intellectuelle de l’Inde et, aujourd’hui encore, bastion du parti communiste Indien.

Les grandes famines et la partition ont meurtri l’histoire du Bengale devenu aujourd’hui le seul West Bengal. La cicatrice semble être à jamais ouverte. Cette cicatrice paraît s’insinuer au centre de l’œuvre de Chowdhury. Métaphoriquement ou, et certainement, subconsciemment elle est formellement omniprésente. Œil, sexe et, forcément, blessure, nous apparaissent alors comme autant de cicatrices ouvertes sur le monde et ses folies.

L’expression graphique de l’artiste est nerveuse. Au sens terminologique, le trait semble s’infiltrer sous la forme comme nerfs et vaisseaux sous la peau.
L’étude de la ligne, dans les écoles d’arts en Inde, est aussi importante que l’étude de la forme. Je me rappelle ces carnets de croquis d’étudiants, à Pondichéry, remplis d’esquisses permettant d’apprendre, depuis les nervures d’une frêle feuille aux racines aériennes d’arbres géants, comment donner vie à une simple ligne. La ligne est mouvement et le mouvement est la vie.

Cicatrices et lignes comme étendard d’une œuvre en forme de résistance à tout impérialisme, deviennent ici le manifeste d’un artiste moderne revendiquant en ces temps de globalisation l’expression d’une identité culturelle propre. L’œuvre de Jogen Chowdhury est de fait, comme il l’a intellectuellement revendiquée, culturellement profondément Indienne.

Jogen Chowdhury, né en 1939, Sans titre, pastel gras sur papier, 19.5”x14” (49,5x35,5 cm), 20 000 – 25 000 €
Cette oeuvre de Jogen Chowdhury est emblématique de son œuvre. Nu de profil, l’œil nous fait face. Le sourcil accentue et souligne l’omniprésence de cette forme, fente. La ligne claire est sombre. Elle circule, comme le sang dans les artères, la sève dans les vaisseaux, autour des formes. Le style caractéristique de l’artiste rend fluide les formes, leur confère un aspect incertain, comme appartenant à un autre monde, entre rêve et réalité. La présence de la couleur est volatile, éthérée. Incertain, voilà l’un des qualificatifs qui pourraient border ce style effrontément fugace. Incertain, est peut-être l’un des sentiments qui nous habite lorsque tout est possible, tant d’un point de vue culturel que climatique.

Biographie
Jogen Chowdhury est né en 1939. Il fait ses études au Government College of Arts and Crafts, de Kolkata (Calcutta) et obtient une bourse qui lui permet de poursuivre ses études à l’Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. Ses œuvres sont exposées dans de nombreuses manifestions nationales et internationales incluant par trois fois la Triennale de New Delhi (1972, 1975 & 1978), la Biennale de Sao Paolo (1979), le Fukuoka Museum, Japon, 1980, la Royal Academy, Londres (1982). le Hirschhorn Museum, Washington D.C. (1982), la II Havana Biennale (1986), et le 'Festival of India', Genève (1989). Il expose à New York en 2002. Ses œuvres font partie des collections de la National Gallery of Modern Art, New Delhi, du Victoria and Albert Museum, Londres et, parmi bien d’autres, du Glenbarra Museum, Japon. Jogen Chowdhury vit et travaille à Santiniketan, non loin de Kolkata.

Jogen Chowdhury was born in 1939 at Daharpara, Faridpur, Bengal (today located in Bangladesh). After having lived in the peaceful environment of a small village, the Chowdhury family took refuge in Calcutta following the division of Bengal in two. He lives and works in Santiniketan.

Jogen Chowdhury is known for his ability to combine popular imagery and art history. As a student, he frequented left-wing intellectual milieus led by Rabindranath Tagore, among others, but it was especially the cultural context, in the broad sense of the word, that was to influence his work. The time he spent living in Calcutta was marked by the political activity typical of a town considered as India's intellectual capital and still to this day a bastion of the Indian Communist Party.

Major famines and the partition had a devastating effect on the history of Bengal, today known as West Bengal. The scar seems to never have healed, and seems to have insinuated itself into the Chowdhury's work. Metaphorically or, certainly, subconsciously, it is omnipresent on a formal basis. Eye, sex, and, of course, wound, all take on the resonance of wounds open to the world and its folly.

The artist's graphic style is nervous. Terminologically speaking, his line seems to infiltrate under the form like nerves and vessels under the skin. The study of line in Indian art schools is as important as the study of form. I can remember the sketchbooks of students in Pondicherri, filled with sketches that helped them learn from the veins of a fragile leave to the aerial roots of giant trees how to give life to a simple line. Line is movement, and movement is life.

Lines and scars as a standard of work as a form of resistance to any kind of imperialism, here becoming the manifesto of a modern artist who insists upon the right to his own cultural identity in a period of globalization. The work of Jogen Chowdhury is in fact profoundly Indian on a cultural level, as he has claimed intellectually.

Jogen Chowdhury, born in 1939, Untitled, oil pastel on paper, 19.5”x14” (49.5x35.5 cm), 20 000 – 25 000 €
This piece by Jogen Chowdhury is emblematic of his work. A nude in profile, with an eye facing us. The eyebrown accentuates and underlines the omnipresence of this form, this slit. The clear line is dark. It circulates, like blood in the arteries, like sap in the vessels, around the forms, giving them an uncertain aspect, as if they belong to another world between dream and reality. The presence of color is volatile, ethereal. Uncertain… this is perhaps the adjective able to delimit this audaciously elusive style. Uncertainty… perhaps one of the feelings that inhabits us when everything is possible, both from a cultural and climatic point of view.

Biography
Jogen Chowdhury was born in 1939. He studied at the Government College of Arts and Crafts of Kolkata (Calcutta) and was awarded a scholarship that enabled him to continue his studies at the Ecole Nationale Supérieure des Beaux-Arts de Paris. His works have been exhibited in many national and international exhibits, including three times in the New Delhi Triennial (1972, 1975 & 1978), the Biennial of Sao Paolo (1979), the Fukuoka Museum, Japan, 1980, the Royal Academy, London (1982). the Hirschhorn Museum, Washington D.C. (1982), the 2nd Havana Biennial (1986), and the 'Festival of India', Geneva (1989). He exhibited in New York in 2002. His works are found in the collections of the National Gallery of Modern Art, New Delhi, the Victoria and Albert Museum, London, and, among many others, the Glenbarra Museum, Japa. Jogen Chowdhury lives and works in Santiniketan, not far from Calcutta.

Shobha Broota

2007-11-02T09:16:00.001-07:00

Née en 1943 à Delhi
Vit et travaille à New Delhi

Artiste accomplie, Shobha Broota recherche le divin dans l’expression pictorale simple et utilise les formes géométriques pour visualiser "l'Invisible". Le mouvement et l'énergie sont au coeur de son travail ou cercles et points sont faits pour converger vers un centre palpitant qui stimule et calme le spectateur.
Sa maîtrise de la géométrie, du dessin, de la couleur ainsi que des techniques utilisées est évidente ; une vraie mélodie des sphères naît des jeux de couleur, de lumière, de mouvement et de rythme.

« L'observation intelligente de tous les phénomènes naturels est la base de mon inspiration. Le rythme et la forme, la vibration et le mouvement qui résident en toutes choses sont devenus les éléments de mon expression. La beauté impressionnante qui m'entoure et m’engloutit à un effet sensoriel sur mon être, qu’intuitivement je traduis dans mon travail. » S.B.

Les deux huiles sur toile présentées ici : Origin 94, de 1992 et Round the Earth, de 2001, s’inscrivent formellement à mi-chemin entre les forces abstraites issues de l’art tantrique et l’expérimentation de l’illusion née de l’art cinétique.

Born in1943 in New Delhi
Lives and works in New Delhi

Shobha Broota has studied at the College of Art, New Delhi.
She has taught at Triveni Kala Sangam, New Delhi

In her pursuit of an accomplished expressive and artistic concept, Shobha Broota has tackled a number of subjects, mediums and styles. The simplicity of her work, her mastery of geometry, drawing, and color, as well as the techniques she uses, transport the viewer into another world. Shobha seeks the divine in a simple pictorial expression. She uses geometrical forms to visualize the "invisible" and thus introduce "the Divine".
« The keen observation of all natural phenomena is the basis of inspiration for my work. (…) The rhythm and pattern, the pulsation, the vibration and movement in all things have become ingredients for my expression. The awesome beauty that surrounds and engulfs me has a sensory effect on my being, which intuitively gets translated in my work… » S. B.

The two oils on canvas presented here: Origin 94, from 1992, and Round the Earth, from 2001, are formally located half-way between the abstract forces born of Tantric art and experimentation with optical illusion born of kinetic art.

The artist has exhibited in many solo and group shows throughout India and abroad since 1964.

Expositions solo :
‘Edge of Infinity’, Indigo Blue Art, Singapore (2007);‘Song of the Divine’, Palette Art Gallery, Delhi (2006); ‘Music of the Spheres’, Visual Art Gallery, Delhi and Birla Academy, Kolkata (2003); International Studio A.F.W.A, Fremantle, Australia (1997); Edith Cowen University, Perth (1997); ‘Retrospective of Prints’, Art Konsult, Delhi (1997); ‘Soul Catchers’ Rebecca Hossack Gallery, London (1992); Schoo’s Gallery, Amsterdam (1992)

Expositions collectives :
25 Contemporary Indian Artists, Moscow & Paris (2007); ‘Indian Colour’, Keumsan Gallery, Seoul, S. Korea (2007); Resonance, Fifty years of Lalit Kala Academy, Delhi (2005); Weaving Legacy, Lalit Kala Academy, Delhi (2005); Negotiating Matters, curated by Roobina Karode at Anant Art Gallery, Delhi (2005); Devotional Breach, curated by Peter Nagy, Sumukha Gallery, Bangalore (2004); Solitude, ‘The White Show’, Visual Art Gallery, Delhi (2003); Abstract Schematic, Nature Morte, Delhi (1999); ‘Small’, James Harvey, Sydney (1998); Symbolism and Geometry in Modern Art, NGMA, Delhi (1998); Chhoo Mantar’, Art Konsult, Delhi (1997, 2004); Abstract 95, CIMA, Calcutta; 1995: ‘Sothbeys auction’, London (1995); 100 Years of Indian Art, NGMA, Delhi (1994); ‘40 Indian Artists’, Tiazcala, Mexico (1994); Art for a Fairer World by Oxfam, Glasgow, Cardiff, London (1992); Balder Aus Indien, Hamburg; ‘Indische Gegenwarskunst’, Mainz, Germany and Stettin, Poland (1993);
9 Contemporary Indian Artists, Gemeentemuseum, Arnhem, Netherlands (1991); Malaysian Experience/ Malaysian Images, Kuala Lumpur (1990); Contemporary Prints, Melbourne (1990); Asian European Art Biennial, Ankara, Turkey (1990); Ambassador’s Choice, NGMA, Delhi (1990); Abstract Art, Gallery Art and Data, Frankfurt (1988); ‘Women Artists’, National Gallery of Modern Art (NGMA), Delhi, Bulgaria, Yugoslavia (1986-87); 6th & 8th Triennial India, Delhi (1986, 1994); Exhibition of Contemporary Art, Tokyo (1984); International Women Artists, Delhi (1975)

Sohan Qadri

2007-11-02T09:09:00.000-07:00

Né en 1932, Punjab, Inde
Vit et travaille à Copenhague, Danemark

Diplômé MFA, Government College of Art, Simla, 1960

À la fois artiste, poète et yogi, Sohan Qadri a parcouru le monde de son village natal de Chachoki à l’Europe (il vit à Copenhague) en passant par les montagnes du Tibet, l’Afrique et les EU. La spiritualité Indienne, issue de la philosophie Hindoue et Bouddhiste, est la pierre angulaire de sa créativité. Qualifié de peintre ‘abstrait expressionniste’, les réalisations de Qadri ont un effet qui provoque la pensée même sur ceux qui ne sont pas conscients de leur contenu relatif aux tantras, au silence.

L’harmonie de la couleur et de la texture dans le travail de Qadri est impressionnante et reflète la complexité de la composition de son art. Il concocte ses propres encres et teintes issues de pigments naturels purs et préfère travailler le papier qu’il utilise comme un corps vivant pour communiquer et sur lequel il fait des incisions pour permettre à la couleur de pénétrer.
Fondamentalement, il n'y a aucune forme dans ses peintures, juste des lignes et la dispersion de la couleur. Les mouvements rythmiques des énergies de couleur sont transmis par les modèles répétitifs de points et stries qui telles des ondes parcourent le papier, les trajectoires linéaires sont comme des vibrations ou souffles d'énergies. Les teintes riches d'ocre, bleu ciel, rouge cramoisi, ou safran transforment ainsi les surfaces de chaque toile en des associations que le regard ne parvient à quitter. La couleur devient lumière.
Les vibrations sont sans fin, elle offrent un support à la méditation cassant les limites entre l'espace de la toile et l'espace du spectateur. Celui-ci se trouve alors confronté au silence intérieur, son vrai moi, monde de lumière et d'ombre dans lequel il y doit avoir cette union suprême de la matière et de l'esprit. Cette expérience intuitive dans laquelle nous conduit l’artiste parle toutes les langues et ne connaît aucune limite formelle.

F. N. Souza dans une rare référence faite à Qadri a dit :
« Il y a des artistes. Il y a des tantristes. Il y a des artistes tantristes. A ce que je sache, il n’y a pas de yogis tantristes qui soient aussi artistes. Sohan Qadri est une exception. C’est un artiste exceptionnel.”
« There are artists. Ther are tantriks. There are tantrik artists. As far as I know, there are no tantrik yogis who are artists as well. Sohan Qadri is an exception. He is an exceptional artist. »

Born in 1932, Punjab, India
Lives and works in Copenhagen, Denmark

MFA degree from the Government College of Art, Simla, 1960

Artist, poet and yogi, Sohan Qadri has traveled all over the world from his native village of Chachoki to Europe (he resides in Copenhagen), crossing the mountains of Tibet, Africa, and Europe. Indian spirituality, issuing from Hindu and Buddhist philosophy, is the keystone of his creativity. Labeled as an "abstract expressionist" painter, Quadri's work have a thought-provoking effect even on those who are not conscious of their content relative to tantras, to silence.
Color and texture harmonies in Qadri's work are most impressive and reflect the complexity of his art's composition. He concocts his own inks and dies from natural, pure pigments and prefers to work on paper which he uses as a living body to communicate and on which he makes incisions to help the color penetrate. Fundamentally, there is no form in his paintings, only lines and dispersed color. The rhythmical movements of the color energies are transmitted by repetitive models of points and grooves that, like waves, cover the paper. The linear trajectories are like vibrations or spurts of energy. Rich tints of ochre, sky blue, crimson, or saffron yellow transform the surfaces of each canvas into associations the eye cannot tear itself away from. Color becomes light.
The vibrations are endless, offering a support for mediation that breaks the limits between the space of the canvas and the viewer's space. The viewer is then confronted by inner silence, his real self, a world of light and shadow wherein the supreme union between matter and spirit is held. The intuitive experience the artist leads us into speaks all languages and knows no formal limitations.

F. N. Souza in a rare reference to Qadri has said:
"There are artists. There are tantriks. There are tantrik artists. As far as I know, there are no tantrik yogis who are artists as well. Sohan Qadri is an exception. He is an exceptional artist."

Les travaux de Qadri sont inclus dans les collections internationales publiques et privées.
Il a participe a plus de 70 expositions en Inde, Europe, Afrique et Etats-Unis, dont Kumar Gallery, New Delhi ; Tagore Gallery, New York ; Toronto International Art Fair, Canada en 2007

Recompenses:
Lali Kala Akademi, New Delhi, 1968
I.A.P.A.A., Toronto, 1982

Jeram Patel

2007-11-02T09:00:00.000-07:00

Né en 1930 Sojitra, Gujarat
Vit et travaille à Baroda

Diplôme de la J.J. School of Art, Bombay (1955)
Membre fondateur du‘Group 1890 ‘ avec Ambadas et Ghulam Sheikh (1962)

Jeram Patel, avec KG Subramayan et Jagdish Swaminathan, formule à la fin des années 50 une nouvelle identité visuelle et méthode de l’abstraction.
Sa relation à la forme est unique. Informelle, elle semble s’inspirer de l’art moderne occidental, on pense à Arp bien sur mais aussi aux sculptures d’Henry Moore. L’art informel regroupe nombre de tendances abstraites et gestuelles qui se sont manifestées à Paris dans la période de l’après-guerre.
L’œuvre de Jeram Patel va ainsi de l’abstraction, avec ses formes évidées, au tachisme, avec ses dessins à l’encre semblables à une calligraphie évanescente. A observer l’œuvre de Jeram Patel, on perçoit qu’elle ne se limite pas à la seule évocation de l’histoire de l’art. L’informel est ici aussi celui des formes de la nature, du biomorphisme, des formes en mouvement perpétuel.

Jeram Patel crée son œuvre en traçant un dessin en creux au moyen d’un chalumeau pour obtenir un résultat visuel abstrait. La technique semble proche de la pyrogravure. Le chalumeau déstructure la matière pour révéler des formes excavées, matrices de formes évaporées. Du medium qu’il a mis au point dans les années 1960, il dit : « Il y a une recherche de l’inconnu qui, je pense, s’exprime dans mes travaux. ».
Les travaux de Patel ont des liens avec l’autosuggestion et le Surréalisme. Les formes et les images apparaissent sans but de narration ou de ressemblance, aiguisées comme un couteau ou fluides comme l’eau.

Born in 1930, Sojitra, Gujarat
Lives and works in Baroda

Degree from J.J. School of Art, Bombay (1955)
Founding member of the "Group 1890" with Ambadas and Ghulam Sheikh (1962)

Jeram Patel, along with KG Subramayan and Jagdish Swaminathan, formulated a new visual identity and abstraction method at the end of the 1950s. His relation to form is unique. Informal, it appears to be inspired by modern Western art. One thinks of Arp but also of the sculptures of Henry Moore. Informal art groups together a number of abstract and gestural trends that first emerged in Paris during the post-war period.
The work of Jeram Patel thus moves from abstraction, with its hollowed-out forms, to action painting with his ink drawings like evanescent calligraphy. Observing the work of Jeram Patel, we can see that it is not limited to a simple evocation of art history. The informal here is also that of natural forms, biomorphism, forms in perpetual movement.

Jeram Patel creates his work by encising a drawing with a blowtorch to obtain an abstract visual result. His technique appears similar to pokerwork. The blowtorch destructures the material to reveal excavated forms, matrixes of evaporated substance. Of the medium he developed during the 1960s he says, "There is a search for the unknown that I believe is expressed in my work."
Patel's work is linked to autosuggestion and Surrealism. The forms and images appear, with no narrative goal or desire for resemblance, sharp as a knife, or fluid like water.

Expositions :
Plus de 30 solos show en Inde et a l’étranger : Londres, New Delhi, Calcutta, Bombay.
Tokyo Biennale 1963, Sao Paulo Biennale 1963, ‘Third World Biennale’ Baghdad 1980, ‘Festival of India’ Londres1982.

Ses œuvres font partie de prestigieuses collections, dont :
Celle du National Gallery of Modern Art, New Delhi.

Recompense :
National Award from the Lalit Kala Akademi in 1957, 1963, 1973 and 1984
National Award for Design in 1976

Prabhakar Barwe

2007-11-02T08:52:00.001-07:00

Prabhakar Barwe (1936 – 1995)

Né en 1936 Nagaon, Maharashtra.
A vécu et travaillé à Bombay.

Diplômé de la J.J. School of Art, Bombay (1959).

Prabhakar Barwe est qualifié d’abstrait symboliste comme l’évoque le titre d’une de ses peintures de 1969, « Anatomy of a Mystic Star ».
Son œuvre est protéiforme, elle semble appartenir à une protohistoire. L’abstraction qui nous est donnée à voir n’est pas la nôtre. L’espace de la toile apparaît comme un lieu alternatif d’où émerge un polymorphisme spontané. Un espace mental semblable à un carnet de croquis. Carnet de croquis d’excursions dans les mondes de la figuration et de l’abstraction ; des rives rythmées de l’art tribal à celles hédonistes des arts décoratifs. La toile, le papier, serait un espace profane sur lequel l’artiste magicien disposerait selon un ordre dont lui seul semblerait comprendre la signification, formes, figures, traits et couleurs. Le but ne serait pas d’ordonner mais de disperser formes, figures, traits et couleurs pour que celles-ci, alors autonomes, gagnent en liberté et s’affranchissent.

A partir de 1961 il participe à de nombreuses expositions personnelles en Inde et a l’étranger dont :
5 International Young Artists Exhibition, Tokyo (1969).
Man and his world, Montreal, Canade (1969)
Indian Painters Galerie Coray, Zurich, Suisse (1970).
II, III, IV et V Triennales a New Delhi (1971, 1975, 1978 & 1982).
Biennale de Menton France, (1976).
Modern Indian painting exhibition, Hirshorn Museum, Washinhton, D.C (1983).
Asian-European Art Biennale, Yougoslavie.
IX Biennale, Valpariso, Chile, (1989).

Born in 1936, Nagaon, Maharashtra.
Lived and worked in Bombay.

Diplômé de la J.J. School of Art, Bombay (1959).

Prabhakar Barwe is known as an abstract symbolist, as suggested by the title of one of his paintings from 1969, "Anatomy of a Mystic Star". His work is protean, and seems to belong to protohistory. The abstraction before us is not our own. The space of the canvas seems like an alternative place from which emerges spontaneous polymorphism. A mental space similar to a sketchbook, a sketchbook of excursions in the worlds of representation and abstraction, rhythmic expressions of tribal art to the hedonistic rhytms of decorative artds. Canvas and paper represent a profane space which the magician artist organizes in an order where only he can understand the meaning, shapes, figures, lines, and colors. The goal is not to organize but rather to disperse shapes, lines and colors so that, asserting their Indiapendence, they gain their liberty and free themselves.

Beginning in 1961 he showed in many solo exhibits in India and abroad, including: 5 International Young Artists Exhibition, Tokyo (1969).
Man and his world, Montreal, Canada (1969)
Indian Painters Galerie Coray, Zurich, Switzerland (1970).
II, III, IV and V Trienniales of New Delhi (1971, 1975, 1978 & 1982).
Biennale de Menton France, (1976).
Modern Indian painting exhibition, Hirshorn Museum, Washington, D.C (1983).
Asian-European Art Biennale, Yugoslavia.
IX Biennale, Valpariso, Chile, (1989).

Collections :
Deutsche Bank Collection, Bombay. Lalit Kala Akademi, New Delhi. National Gallery of Modern Art, New Delhi. Masanori Fukoka & Glenbarra Art Museum, Hemeji, Japan. Bharat Bhavan, Bhopal. Ben and Abbey Grey Foundation, USA.

Récompenses :
Yomiuri Shinbun, Tokyo (1969). Lalit Kal Akademi (1976)

Gulam Rasool Santosh

2007-11-02T08:42:00.001-07:00

Gulam Rasool Santosh (1929 - 1997)
Né à Srinagar, Cachemire

Rejoint en 1950 le ‘Progressive Arts Group’ du Cachemire.
En 1954 étudie sous la direction de N.S. Bendre , MS University, Baroda.

Poète peintre, G.R. Santosh est l’un des maîtres du mouvement artistique Néo-tantrique formé dans les années 1960 autour de K.C.S. Paniker, Biren De et J.Swaminathan.
Santosh tel un musicien donne forme aux sons dans un harmonieux équilibre artistique. Ses toiles ne se situent ni dans le figuratif ni dans l’abstrait, elles évoquent les images de la philosophie Indienne en empruntant les formes géométriques à l’iconographie Tantrique hindouiste et bouddhiste. Les œuvres de Santosh ne sont pas un support de méditation et, même si il recherche un résultat visuel esthétique plutôt que spirituel, elles transmettent aussi des concepts philosophiques comme la notion de l’éveil ou celle de l’équilibre des contraires : le macrocosme et le microcosme, l’esprit et la matière, la lumière et les ténèbres, le soi et le monde, le masculin et le féminin…

Pour cette huile sur toile de 1985, Santosh nous offre une composition lumineuse, psychédélique où l’on retrouve les éléments de l’imagerie tantrique : Il entrelace les triangles, juxtapose les cercles en une géométrie symbolique symétrique, équilibrée et décorative.

Depuis 1953, Santosh a participé à plus de 30 expositions personnelles dans les galeries majeures de NY, LA, Chicago, Mumbai et New Delhi. Il a participé à la Biennale de Sao Paulo (1969-71), la 1e Triennale en Inde (1968) et l’exposition ‘Contemporary Indian Painting’, Washington (1973)

Collection :
Glenbarrra Art Museum, Japon. Chester & David Herwitz Collection, USA. Lalit Kala Akademi, New Delhi. National Gallery of Modern Art, New Delhi.
Neville Tuli and Osians Connoisseurs of Art Archive, Mumbay. Delhi Art Gallery, New Delhi.

En 1993, il a recu le prix Llit Kala Akademi et en 1977, le Padmashri.

Gulam Rasool Santosh (1929 - 1997)
Born in Srinagar, Kashmir

Joined the Association Progressive Arts' of Kashmir in 1950. In 1954, he studied under N.S. Bendre , MS University, Baroda.

Painter and poet, G.R. Santosh is one of the masters of the Neo-tantric movement founded during the 1960s with K.C.S. Paniker, Biren De and Swaminathan. These artists were inspired by the Hindu and Bhuddist tantric doctrine, strongly marked by mysticism, which holds that there is an absolute identity between spirit and matter, the masculine and feminine, the macro- and microcosm…

Paintings by Santosh are neither figurative nor abstract. They evoke images of Indian philosophy, associating yantras, mandalas, and chakras. Like a musician, Santosh gives forms to sounds in an artistic balance. He has borrowed the triangle, circle, diamond, and trident from Tantric iconography. According to tradition, a triangle whose summit points towards the sky symbolizes masculine energy, while a triangle pointing downwards represents feminine energy. Their union is the hexagon.

His canvases are not a support for meditation, and although Santosh seeks an esthetic rather than spiritual visual result, mhis work also transmits philosophical concepts, such as the concept of awakening, the balance of opposites – masculine and feminine, self and world, light and darkness

Since 1953, Santosh has had over 30 solo exhibits in major galleries in New York, Los Angeles, Chicago, Mumbai and New Delhi. He has participated in the Biennale of Sao Paulo (1969-71), the 1st Triennale in India (1968) and the exhibit ‘Contemporary Indian Painting’, Washington (1973)

Collections:
Glenbarrra Art Museum, Japan. Chester & David Herwitz Collection, USA. Lalit Kala Akademi, New Delhi. National Gallery of Modern Art, New Delhi.
Neville Tuli and Osians Connoisseurs of Art Archive, Mumbai. Delhi Art Gallery, New Delhi.

In 1993, he was awarded the Llit Kala Akademi price and the Padmashri prize in 1977.

Rabin Mondal

2007-11-02T08:29:00.001-07:00

Né en 1929 Howrah, West Bengal.
Vit et travaille à Howrah.

Diplômé de l’école des Beaux-arts de Vidyasagar, Calcutta.

Membre co-fondateur du groupe des Peintres de Calcutta (1963), Mondal est par excellence un artiste de Calcutta. ( Comme Bikash Bhattacharjee et Ganesh Pyne, Mondal est sous l'influence de la ville, creuset de ses expériences. )
La ville industrielle de son enfance à Howrah près de Calcutta, avec sa violence son angoisse et sa souffrance, a profondément influencé les travaux de Mondal.
Jeune peintre, il a été attiré par le style de Jamini Roy et les peintures de Rabindranath Tagore mais c’est sa rencontre en 1948 avec les peintres français de l’avant-garde qui l'a le plus inspirée.

"L’art est une expression de mon moi intérieur. C'est le seul médium que je connaisse. Avec ma brosse, mes couleurs et mon crayon, je décris des émotions. Et avant que je ne le sache, je suis transporté dans un autre monde. Sous mes yeux, ma toile devient vivante." R.M.

Les travaux de Mondal sont surtout figuratifs, ils exploitent le grotesque pour exprimer l'agitation intérieure et les luttes humaines.

Dans son travail des années 1960 aux années 90, il exprime le pouvoir et la force a l’aide d’images métaphoriques. Le bordel, les souffrances du Christ, les vicissitudes du pouvoir personnifié par le roi et la reine, ou encore les silhouettes prisent au piège dans des rapports intimes.
Par son style et ses thématiques l’œuvre de Rabin Mondal évoquent celle de Rouault.
Le contexte est invariablement celui du théâtre menaçant de l’existence humaine.
Il peint des tableaux aux traits épais et dont les thèmes sont universels. Les visages étranges et pensifs, mais aussi forts et défiants regardent fixement le spectateur.
Il utilise surtout une palette de couleurs denses - noirs, rouges, verts et turquoises - tant pures que mélangées.

Mondal a été membre de Lalit Kala Akademi de 1979 à 1982.
Ses oeuvres ont été montrées pour la première fois en 1955, dans le cadre d'une exposition de groupe d’artistes de l'école du Bengale. Il a tenu sa première exposition personnelle en 1961 à l'Académie des Beaux-arts de Calcutta.
De nombreuses expositions lui ont été consacrées parmi lesquelles : exposition ‘19 Artists Calcutta’, Lakshana Museum (2007) ; Retrospective Delhi Art Gallery (2005) ; 3e Triennale India, Biennale Tokyo,

Book `After the Fall: Life, Time & Art of Rabin Mondal`, was written on him by the scholar Mr. Santo Datta.

Born in 1929, Howrah, West Bengal.
Lives and works in Howrah.

Degree from the Vidyasagar Fine Arts school, Calcutta.

Co-founding member of the group Painters of Calcutta (1963), Mondal is an Calcuttan artist par excellence. Like Bikash Bhattacharjee and Ganesh Pyne, Mondal has always been influenced by the city, the crucible of his experiences.
The industrial town of Howrah, near Calcutta, where he spent his childhood, with its violence, fear, and suffering, had a profound influence on Mondal's work. As a young painter he was attracted by the style of Jamini Roy and the paintings of Rabindranath Tagore, but it was his encounter with avant-garde French painters in 1948 that inspired him the most.

"Art is an expression of my inner self. It's the only medium I know. With my brush, colors, and pencil, I describe emotions. And before I know it, I'm transported into another world. Under my eyes, my canvas becomes alive." R.M.

Mondal's work is primarily figurative, using the grotesque to express inner agitation and human conflicts. In his work from the 1960s to the 1990s, he expressed power and strength using metaphorical images. The brothel, the suffering of Christ, the vicissitudes of power personified by the king and queen, or yet again silhouettes surprised in intimate attitudes. In its style and themes, Rabin Mondal's work is reminiscent of Rouault.

The context is invariably that of the threatening theater of human existence. He paints canvases on universal themes expressed in thick lines. The strange, pensive, yet strong and defiant faces gaze fixedly at the viewer. He uses primarily a palette of dense colors – blacks, reds, greens, and turquoises – pure and mixed.

Mondal was a member of the Lalit Kala Akademi from 1979 to 1982. His work was shown for the first time in 1955 in a group exhibit of artists from the Bengal school. He had his first solo show in 1961 at the Fine Arts school of Calcutta.
Many exhibits have been devoted to his work, including: the exhibit ‘19 Artists Calcutta’, Lakshana Museum (2007); Retrospective Delhi Art Gallery (2005); 3e Triennale India, Biennale of Tokyo,

The book "After the Fall: Life, Time & Art of Rabin Mondal", was written on the artist by the scholar Mr. Santo Datta.

Bari Kumar

2007-11-02T07:35:00.000-07:00

Né en 1966, Andhra Pradesh.
Il partage son temps entre l’Inde du Sud et Los Angeles, CA.

Diplômé Otis/Parsons School of Design, Los Angeles (1988)

L’oeuvre de Bari Kumar, comme celle de tant d’artistes asiatiques vivant aux Etats-Unis, est le reflet de ses expériences biculturelles.

Dans ses toiles apparemment chargées de sens et emplies d’une atmosphère sinistre et inconfortable, l’artiste fait appel à l’art classique ainsi qu’à l’iconographie religieuse traditionnelle et hindoue.
La spiritualité s’exprime par des énigmes visuelles. Juxtapositions d’allusions complexes, d’images incongrues et de symboles forts qui flottent librement sur la surface de la toile, le spectateur sent la menace et le frisson du désespoir.
Les oeuvres de Bari Kumar résonnent d’une signification religieuse, sociale et culturelle qui invite à des lectures multiples.
De son travail, Kumar dit : "ce qui commence pour moi comme une expression personnelle évolue en une déclaration sociopolitique."

Born in 1966, Andhra Pradesh.
He shares his time between southern India and Los Angeles, CA.

Degree from Otis/Parsons School of Design, Los Angeles (1988)

Bari Kumar's work, like that of so many Asian artists living in the United States, is a reflection of his bicultural experience.

In his canvases, apparently charged with meaning and filled with a sinister and uncomfortable atmosphere, the artist draws on classical art as well as the traditional Hindu religious iconography. Spirituality is expressed by visual enigmas. Juxtapositions of complex references, incongruous images, and strong symbols float freely on the surface of the canvas. The viewer senses the menace, a shudder of despair. Bari Kumar's work resonates with religious, social, and cultural meaning that generates multiple readings. Of his own work, Kumar has said "what begins for me as a personal expression then evolves into a sociopolitical declaration."

Solo Exhibitions
2006 In Absentia, Bombay Art Gallery, Mumbai, India
2005 Brown is the new Black, Billy Shire Fine Arts, Los Angeles, CA
2004 Export Quality, Bose Pacia Gallery, Chelsea, NY.
2002 Neither Here Nor There, Patricia Correia Gallery, Santa Monica, CA
2000 Personal Inventory, Patricia Correia Gallery, Santa Monica, CA
1998 Still Lives, Patricia Correia Gallery, Santa Monica, CA
1997 Pain-ting, Patricia Correia Gallery, Santa Monica, CA
1991 Untitled, Roark Gallery, Los Angeles, CA
1991 Paintings, Highland Grounds Cafe, Los Angeles, CA

Museum Exhibitions
2006 Tigers and Jaguars, L.A.'s asian-latino fusion, The Craft and Folk art Museum,Los Angeles, CA
2005 Fatal Love, Art of Indian diaspora, Queens Museum of Art, Queens, N.Y
2003 Unfamiliar Territory, San Jose Museum of Art, CA
2001 Shifting Perceptions: Contemporary L.A. Visions, Pacific Asia Museum, CA
1997 Traditions Abandoned/ Traditions Retained, Riverside Art Museum, CA
1996 Lantern of the East, Lalit Kala Akademy, New Delhi, India

Anita Dube

2007-11-02T07:14:00.000-07:00

Née en 1958, Lucknow, Inde
Vit et travaille à New Delhi

Anita Dube, l’une des artistes Indiennes les plus en vue, offre une production variée et très personnelle, elle pratique la photographie, l’installation, les collages.
Pour explorer toute une gamme de sujets qui questionnent les problèmes sociaux, religieux et politiques, elle a développé un langage esthétique emprunt de mémoire, d’histoire et de mythologie.

Anita Dube emploie avec une grande liberté une variété d’objets du quotidien. Formée à l’histoire de l’art, inspirée par des disciplines aussi variées que la paléontologie, l’archéologie, le dessin des bijoux, le théâtre, Anita Dube se se réapproprie et subvertit des objets existants - des matériaux industriels, des matières utilisées dans l’artisanat, des fragments de corps (os, dents) sont ainsi détournés de leur fonction initiale (in Indian Summer, ENSBA Paris 2005), leur identité fondamentale étant retenue, pour être replacée dans un contexte surprenant.
En 1997 Anita Dube commence à travailler avec les yeux de céramique utilisés sur les divinités hindoues qu’elle réemploie en les collant sur divers supports. Anita suggère que les yeux représentent des individus et leur prolifération symbolise les migrations de masse à travers l’histoire.

Formation initiale : historienne, critique d’art.
B.A Histoire with Honours, University of Delhi, 1979
M.A. en critique artistique, Faculty of Fine Arts, Baroda , Inde 1982

Anita Dube, Sea Creature, édition de 10, 2 fois 67x50 cm, estimation 3 000 € - 3 500 €
Œuvre emblématique et spectaculaire photo d’Anita Dube offrant à notre regard une série de mains ouvertes, paumes en avant, littéralement recouvertes d’une multitude d’yeux (hasard de la phonétique : dieu !) en céramique, ces mêmes yeux dont ont se sert pour donner vie aux innombrables sculptures de divinités.

Anita Dube, Sea Creature, edition of 10, 2 times 67x50 cm, estimation 3 000 € - 3 500 €
Anita Dube's emblematic and spectacular photo presents us with a series of open hands, palms upwards, literally covered with a multitude of ceramic eyes, the same eyes used to give life to the innumerable sculptures of divinities.

Born in 1958, Lucknow, India
Lives and works in New Delhi

Anita Dube, one of India's high-visibility artists, has a varied, highly personal production. She practices photography, installation, and collage. To explore a wide range of subjects that question social, religious, and political problems, she has developed an aesthetic language borrowed from memories, history, and mythology.
Anita Dube uses a variety of objects from daily life with complete freedom. Trained in art history, inspired by such varied disciplines as paleontology, archeology, jewelry design, and theater, Anita Dube reappropriates and subverts existing objects – industrial materials, materials used in crafts, fragments of the body (bones, teeth) – all taken out of their usual context (in Indian Summer, ENSBA Paris 2005), their basic Indiantity being preserved to be replaced in an unexpected context.
In 1997 Anita Dube began to work with the ceramic eyes used in sculptures of Hindu divinities, gluing them onto different kinds of supports. Anita suggests that the eyes represent individuals and their proliferation symbolizes mass migrations throughout history.
Initial education: historian, art critic.
B.A History with Honours, University of Delhi, 1979
M.A. in art criticism, Faculty of Fine Arts, Baroda , India 1982
Solo exhibits
Illegal, Nature Morte, New Delhi and Bose Pacia, New York (2005).
The Sleep of Reason, Sakshi Gallery, Mumbai and Nature Morte, New Delhi (2003).
Via Negative, Nature Morte, New Delhi (2000).
You Tell Me What You Know Down Here, Girl, Sakshi Gallery, Mumbai, India (1999). Desire Garden, Community Hall, Tara Apts., New Delhi (1992).

Expositions collectives
Indian Summer, Ecole Nationale des Beaux Arts, Paris, 2005
iCon: India Contemporary, at the Venice Biennale, Venice, Italy (2005).
Vanitas Vanitatum, curated by Peter Nagy, Sakshi Gallery, New Delhi (2004).
Androgyne, curated by Dr. Alka Pande, Visual Arts Gallery, India Habitat Center, New Delhi (2004).
After Dark, curated by Gayatri Sinha, Sakshi Gallery, Mumbai (2004).
Resonance: Anita Dube and Subodh Gupta, curated by Keith Wallace; Vancouver International Center for Contemporary Asian Art, Vancouver, Canada (2004).
How Latitudes Become Forms, at the Walker Art Center; ARS 01 at the Kiasma Museum in Helsinki; and the 2001, Yokohama Triennale.

Farhad Hussain

2007-11-02T07:02:00.000-07:00

Né à Calcutta, 1975.
Vit et travaille à New Delhi.

Farhad Hussain fait partie de ces jeunes artistes audacieux qui renouvellent sans cesse et avec panache l’art contemporain Indien. L’une de ses œuvres vient de faire la couverture du Asian Art News (09/10-2007), revue de référence pour l’art contemporain en Asie, englobant les marchés de l’art de l’Inde à la Chine et de Singapour à Hongkong.

Farhad Hussain base ses travaux sur les rapports humains et leurs subtiles complexités. Narratives, entre fantaisie et réalité, ses peintures s'attardent sur la figure humaine. Chaque personnage, en corrélation l’un à l’autre, est partie intégrante de l’oeuvre et sa personnalité nourrit l’histoire.

Que nous propose Hussain ? À première vue la lecture de ses toiles semble aisée : grands formats, couleurs vives et scènes de félicité domestique. Puis, on remarque que les visages souriants de ces personnages, si semblables et pourtant si distincts, sont plus bizarres que sympathiques. L'expression figée se transforme en moquerie et l’on commence à s’interroger sur le sens des sourires et réjouissances auxquelles tous participent. Ces mères, pères et enfants, en leur intérieur impeccable, semblent s’échapper de la réalité et finir par appartenir à une troupe de théâtre plutôt qu’à une famille unie dans un salon. A moins que les peintures de Farhad nous apprennent que la vie, et plus particulièrement la vie de famille, se joue comme une vaste comédie.

L’atmosphère est équivoque. Dans ce théâtre du sinistre, ou sourire et grimace sont synonymes, Hussain joue avec les frontières entre masculin et féminin, fait et fiction, attrait et répulsion, et emprunte des éléments du répertoire de K.G. Subramanyan, l’un des maîtres de l’art moderne Indien, en brouillant avec habilité le sauvage et l’apprivoisé, l’extérieur et l’intérieur. Avec lucidité et ironie, l’artiste questionne les stéréotypes autour desquels nous vivons en nous conduisant à douter des codes de conduite conventionnelle.

Etudes
Diplômé de Shantiniketan (2003) & Faculty of Fine Arts, Baroda (2005).

Expositions
Farhad Hussain a participé à plusieurs expositions solo et de groupe a Baroda, Bombay (Chatterjee & Lal, Bombay Art Gallery), Calcutta, Hong Kong, Singapour et Londres dont : ‘Emerging India’ expo de groupe autour de 45 jeunes artistes contemporains, Royal College of Arts, Londres, 2007. ARTSingapore, 2007. Jehangir Nicholson, Ncpa, Bombay 2007

Recompenses
Bourse Nasreem Mohamedi, 2004
Indian Promising Artist (Art India), 2006

Farhad Hussain, Sans titre 2006, acrylique sur toile, 72x84 in, 183x214 cm, 18 000 € - 22 000 €

Pour ce spectacle en photo de famille, l’artiste participe en personne à la célébration et se représente étreignant sa femme. La couleur envahie la toile : une palette tonique de bleu, vert, violet, rose fluorescents inonde la scène, à la seule exception de la peau des personnages. Ces mères, pères et enfants, dans leur intérieur impeccable semblent s’échapper de la réalité. L’ambiance extatique y est celle d’un « Vol au dessus d’un nid de coucou » domestique, ou, pour paraphraser Etienne Mougeotte, « Le bonheur est dans le canapé ».
Les peintures de Farhad Hussain ont la franche gaîté des papiers découpés de Matisse, la cellule familiale est son motif pictural.

For this spectacle of a family photograph, the artist participates in person in the celebration and represents himself embracing his wife. Color invades the canvas – a tonic palette of blue, green, purple, and fluorescent pink inundate the scene, with the exception of the figures' skin. These mothers, fathers, and children, in their impeccable interior, seem to escape reality. The ecstatic atmosphere is redolent of "One Flew Over the Cuckoo's Nest" family style or, to paraphrase Etienne Mougeotte, "Happiness is a couch".
Farhad Hussain's paintings have the direct, fresh gaiety of a Matisse cutout, and the family unit is his pictorial motif.

Born in Calcutta, 1975.
Lives and works in New Delhi.
Farhad Hussain is among those young artists who have been contributing with panacheto the current renewal of contemporary Indian art. One of his works recently made the cover of Asian Art News (the September/October 2007 issue), one of the two most influential magazines covering contemporary art in Asia, a market that ranges from India to China, from Singapore to Hong Kong.
He bases his work on human relationships and their subtle complexities. They are narratives, existing somewhere between fantasy and reality, and focus strongly on the human figure. His personages, always interrelated, are each an integral part of the work and their personalities create the story.
What does Hussain offer? At first glance, his canvases seem easy to read, with their large size, bright colors, and scenes of domestic felicity. Then, a closer look reveals that the figures' smiling faces, all so similar and yet distinct, are more bizarre than friendly. Their fixed expressions transform into mockery, and we begin to ask ourselves what is the meaning of the smiles and rejoicing they are all involved with. These mothers, fathers, and children in their impeccable interiors seem to escape reality and belong to a theater troop rather than a united family sitting in their living-room. Perhaps Farhad's paintings teach us that life, and especially family life, must be played out as a vast theater piece.

The atmosphere is equivocal. In this theater of the sinister, where smile and grimace are synonymous, Hussain plays with the frontiers between masculine and feminine, fact and fiction, attraction and repulsion, and borrows from elements from the repertoire of K.G. Subramany, one of India's masters of modern art, confusing the wild and the tame, the outside and the inside. With lucidity and irony, the artist questions the stereotypes we live with and leads us to doubt the conventional codes of behavior.Education
Degree from Shantiniketan (2003) & Faculty of Fine Arts, Baroda (2005).

Exhibits
Farhad Hussain has exhibited in solo and group shows in Baroda, Bombay (Chatterjee & Lal, Bombay Art Gallery), Calcutta, Hong Kong, Singapore and London, including: ‘Emerging India’ group show of 45 young contemporary artists, Royal College of Arts, London, 2007. ARTSingapore, 2007. Jehangir Nicholson, Ncpa, Bombay 2007

Awards
Nasreem Mohamedi award, 2004
Indian Promising Artist (Art India), 2006

Birendra Pani

2007-11-02T06:52:00.000-07:00

Né en 1969, Orissa, Inde
Vit et travaille à Bombay.

Birendra Pani se distingue par son dialogue sur l’équilibre entre tradition et modernité en Inde.

Dans certaine série, ses oeuvres créent un astucieux parallèle visuel entre la fameuse silhouette bi morphe des toutes premières lames de rasoir Gillette, connues et utilisées partout dans le monde y compris en Inde, et une autre célèbre silhouette, celle du dieu hindou androgyne Ardhanarishwara, moitié Shiva moitié Parvati, mi- homme mi-femme. Un objet commun pour aborder un sujet sensible.

L’intention de Birendra Pani est de réanimer un vocabulaire visuel issu de la tradition indienne et pertinent avec notre époque, il constate que le Yoga participe aux deux.
Dans la série intitulée :"Risk, the Double Edge of Society ; Yoga series » l’artiste propose un langage visuel métaphorique chargé d’idéologies. Sur un fond découpé en forme de lame de rasoir, un danseur Gotipua d’Orissa, région natale de l’artiste à l’extrême Est de l’Inde, se détache dans différents asanas (les postures du yoga) ; l’espace est couvert de caractéristiques locales différentes : le paysage familier d'un village, une cabane, une route…
Birendra Pani aborde un sujet sensible, celui de l’occidentalisation de la culture indienne. Ces images fortes rappellent les plus beaux moments de l’art de l’estampe ou de l’affiche et communiquent au spectateur un sentiment puissant de dualité.

Born in 1969, Orissa, India
Lives and works in Bombay.

Birendra Pani is known for his dialogue on the balance between tradition and modernity in India.
In certain series, his works create a clever visual paralelle between the famous biomorphic silhouette of the first Gillette razor blade advertisements, used worldwide, including India, and another famous silhouette, that of the androgynous Hindu god Ardhanarishwara, half Shiva half Parvati, half man, half woman. An ordinary object to address a sensitive issue.

Birendra Pani's intention is to revive a visual vocabulary proper to Indian tradition but also relevant to our epoch, and he notes that Yoga is present in both. In a series entitled "Risk, the Double Edge of Society; Yoga series", the artist offers a metaphoric visual language charged with various ideologies. On a background cut in the shape of a razor blade, a dancer, Gotipua from Orissa, the artist's birthplace in the extreme East of India, is shown in different asanas (yoga positions). The space is covered with different local scenes, such as the familiar landscape of a village, a hut, a road… Birendra Pani deals with a sensitive subject, the Westernization of Indian culture. These powerful images evoke the strongest moments of the art of engraving or posters and communicate a strong feeling of duality to the viewer.

Diplomes
BFA Kala Bhavan, Shantiniketan & MD, Faculty of Fine Arts, M.S. University, Baroda

Expositions personnelles
‘Risk, The Double Edge of Society’ Gallery Espace, New Delhi, 2006.
Principales expositions de groupe en Inde et a l’etranger :
‘The Indian Art Show’, London.2006
‘Metrospective Show’, New Delhi 2006.
‘In Short’ and ‘Divine Inspiration’ , Hacienda Gallery, Mumbai, ‘Now’ Indian Contemporary Artists, New Delhi, Show for Tsunami, Baroda,
‘Present and Future’ NGMA, Mumbai,
‘Use and Throw’ installation show, Gallery Sara Arakkal, Bangalore.

Recompense
The Junior Fellowship of the HRD Ministry by the Government of India, 2001

Francis Newton Souza

2007-10-31T14:42:00.000-07:00

Francis Newton Souza (Goa 1922 - Mumbai 2002)

"Je cherche la beauté davantage que la connaissance. En fait, la connaissance peut être laide."
"I seek Beauty more than knowledge. In fact, knowledge can be ugly."
Francis Newton Souza

Né à Goa, sous l’emprise de cet ancien territoire Portugais, l’univers quotidien de F. N. Souza est un vaste kaléidoscope où s’entrechoquent, se composent et se décomposent sans cesse des influences multiples, culturelles et religieuses. Son environnement direct est celui du Christianisme et de l’Hindouisme, du monothéisme et du polythéisme.
L’œuvre de Francis Newton Souza est d’avantage le fruit défendu d’un contexte culturel que l’enfant légitime d’union intellectuelle. L’esprit devient corps. Le ventre parle. Il est le seul à pouvoir encore exprimer ce que l’esprit ne peut rationaliser. La blessure est charnelle. Il s’agit de coup, de plaisir, de rire et de pleur, de sang et de sperme, de vie et de mort.

Francis Newton Souza est de ces artistes comme il en existe peu. « The true artist », l’artiste vrai, est une expression qu’il aimait utiliser. L’artiste évident !
Comme Van Gogh, Picasso, Bacon ou encore Basquiat et Combas, Souza est un artiste évident.
L’œuvre comme le personnage semble être un condensé de l’idée que l’on se fait communément de l’artiste : entier, excessif et libre.
Singulièrement à mi-chemin entre Picabia et Buffet, Souza a l’inventivité spontanée d’un Picasso, la violence révolutionnaire d’un Basquiat, la folie anthropomorphe d’un Bacon, le mysticisme noir d’un Rouault, l’acidité joyeuse d’un Toulouse Lautrec. Francis Newton Souza est tout cela, et en plus, il est lui : Francis, Newton et Souza.
Œuvre féconde à côté de laquelle nous avons failli passés, comme cela devait être, afin que l'artiste se révèle et que le mythe soit vrai.

F. N. Souza (1924 – 2002), Untitled - Head with Cross, 1966, Watercolour and Ink on Red Paper, 20,5"x15,5" (52x39,4 cm) 25 000 € - 30 000 €

Cette figure est l’un des emblèmes identitaires de Francis Newton Souza. Tête avec croix peinte directement sur un papier rouge, rouge cardinal, subconscient ou non. Tête cruciforme, heaume d’un croisé, l’anamorphose fait œuvre. La métamorphose est une figure de style récurrente en Inde. L’abstraction y est celle du modernisme, celle héritée de Picasso. La facture globale de l’œuvre reste profondément brute, elle s’apparente familialement à Dubuffet. La force éclatante d’un style à la fois naïf et grossier est proche de Chaissac. L’énergie sauvage y est celle du graffiti et est à mi chemin entre Basquiat et Combas. Couvre-chef en chef d’œuvre.

This figure is one of Francis Newton Souza's emblematic icons. A head with a cross painted directly on red paper, a cardinal red, subconscious, or not? A cruciform head, the helmet of a crusader, anamorphosis as a work of art. Metamorphosis is a recurrent stylistic device in India. The abstraction is that of modernism, inherited from Picasso. The overall style of the work remains profoundly indebted to outsider art, belonging to the family of Dubuffet. The striking force of a style both naïve and raw is similar to Chaissac. The savage energy is reminiscent of graffiti and halfway between Basquiat and Combas. Headgear as a masterpiece

Francis Newton Souza (Goa 1922 - Mumbai 2002)

"I seek Beauty more than knowledge. In fact, knowledge can be ugly."
Francis Newton Souza

Born in Goa, under the influence of this former Portuguese territory, the daily universe of F. N. Souza is a vast kaleidoscope where multiple religious and cultural influences clash, combine, and fall apart. His direct environment is that of Christianity and Hinduism, monotheism and polytheism.
The work of Francis Newton Souza is more the forbidden fruit of a cultural context than a legitimate child of an intellectual union. The spirit becomes the body. The stomach speaks. He is the only artist who can still express what the mind cannot rationalize. The wound is a physical one – a blow, of pleasure, laughter and tears, blood and sperm, life and death.

Francis Newton Souza is one of those rare types of artist. "The true artist" is one expression he loved to use. The obvious artist! Like Van Gogh, Picasso, Bacon, as well as Basquiat and Combas, Souza is obviously an artist. The work like the person seems to be a condensation of the idea most people have of the artist: completely absorbed, excessive, and free.
Uniquely placed halfway between Picabia and Buffet, Souza has the spontaneous inventiveness of a Picasso, the revolutionary violence of a Basquiat, the anthropomorphic insanity of a Bacon, the black mysticism of a Rouault, the joyous acerbity of a Toulouse Lautrec. Francis Newton Souza is all this, and more importantly, he is himself: Francis, Newton, and Souza. A prolific oeuvre which we have almost missed, as it should be so that the artist can reveal himself and ensure that the myth of the artist remain true to the end.
Studied at J.J. School of Art, Mumbai; Central School of Art, London; Ecole des Beaux Arts, Paris
Founded Progressive Artists Group at Mumbai, 1947
Guggenheim International Award 1958; Kalidasa Samman, 1998-99

Selected exhibitions
1947 - Progressive Artists Group, Mumbai.
1951 - Indian Embassy, London.
1954 - Gallery Creuze, Paris, Venice Biennale, Italy. Institute of Contemporary Arts, London.
Gallery One, London, 1955, '57, '59, '60, '61
1963 - Kumar Gallery, New Delhi, 1962, '63, '65. Kumar Gallery, Calcutta.
1964 - Exhibition of Drawings: Delacroix to Souza, Grosvenor Gallery, London.
Taj Gallery, Mumbai, 1965. Grosvenor Gallery, London, 1966. Arts 38, London, 1975, 76
Dhoomimal Gallery, New Delhi, 1976, '83, '86, '93
1982 - Modern Indian Painting, Hirschorn Museum & Sculpture Garden, Washington, D.C.
1985 - Pundole Art Gallery, Mumbai.
1997 - Art Heritage, New Delhi, L.T.G. Gallery, New Delhi. The Modern Inaugural Show, National Gallery of Modern Art, Mumbai, 1996. Julian Hartnolls Gallery, London.
1998 - Bose Pacia Modern, New York. The Window, Mumbai. One-man show at BosePacia Modern Gallery, New Delhi.
1999 - Copeland Fine Art Gallery, Columbus, Ohio. Kumar Gallery, New Delhi. Souza: Latest Works, Copeland Fine Art Gallery, Columbus, Ohio. One-man show at Kumar Gallery, New Delhi, entitled Retrospective I, Selected works 1950-1999.
2000 - Retrospective II, F. N Souza, 1945 – 2000, Kumar Gallery, New Delhi.
2001 - Francis Newton Souza, Rare Works 1965 – 2001, Gallery 88, Calcutta. Indian Contemporary Fine Art, with Saffronart and Apparao Galleries in Los Angeles. The Demonic Line, An Exhibition of Drawings, 1940 – 1964 by F.N. Souza, curated by Yashodhara Dalmia at the Delhi Art Gallery. Retrospective III, F.N Souza, Important Paintings from Fifties and Sixties, Kumar Gallery, New Delhi.
2002 - Souza in Bombay & Goa, Art Musings Gallery, Bombay. F.N. Souza and Baiju Parthan presented by Saffronart and Apparao Galleries, Mumbai.

Selected posthumous exhibitions
2002 - Grosvenor Gallery, London, Souza and Friends.
2003 - Grosvenor Gallery London, Modern Indian Painting. Francis Newton Souza: Works on paper, Saffronart, Mumbai. F.N Souza: A Definitive Retrospective, Gallery Artsindia, New York. Manifestations, Delhi Art Gallery.
2004 - Manifestations II, Jehangir Gallery and the Delhi Art Gallery. Ethos: Contemporary Indian Art: Indigo Blue Art, Singapore. Souza in London, curated by Yashodhara Dalmia from the Bhayana family collection, British Council, New Delhi.
2005 - Modern Indian Paintings, Grosvenor Gallery, London; A Tribute to F. N. SOUZA, Kumar Gallery, New Delhi. Manifestations III, Nehru Centre, Mumbai; Rabindra Bhavan, New Delhi, and Delhi Art Gallery, New Delhi.
2005/2006 - F. N. Souza, Religion & Erotica: Tate Britain, London. Self-Portrait, Renaissance to contemporary: National Portrait Gallery, London.

Krishna Shamrao Kulkarni

2007-10-31T11:21:00.001-07:00

Krishna Shamrao Kulkarni (1916-1994)

Né à Belgaum, Karnataka.

Diplômé de la J.J. School of Art, Bombay (1942)
Membre fondateur de Triveni Kala Sangam, l’institution artistique de Delhi (1948).

Kulkarni est apparu sur la scène artistique indienne turbulente des années 40, avec le Groupe des Progressistes de Calcutta, le Groupe des Artistes Progressistes de Bombay et la nouvelle génération d'artistes ‘Delhi Shilpi Chakra’ (1947) dont il a été le Président fondateur.

Peintre prolifique, Kulkarni a utilisé de nombreux mediums dont la sculpture, a exploré tous les styles et fait d’incessantes incursions vers la tradition artistique orientale et occidentale.

Kulkarni combine l’abstrait et le figuratif d’une façon novatrice et variée.
Dessinateur et coloriste virtuose, à coups de pinceau légers il jette une aura de lumière sur les formes monochromes géométriques ou cubistes, vigoureusement tracées.
Ses œuvres émettent une vibration émotionnelle fantastique, elles sont une fête pour l’œil et un défi pour l’esprit.

L’abstraction de Kulkarni est amnésique. Ce n’est pas un art de citation. Les influences n’y sont pas manifestes. Les rythmes peints sont tout autant ceux des tatouages des Adivasi, populations tribales de l’Inde, que ceux nés de l’art moderne occidental. Son art nous égare, nous éloigne de nos références pour nous laisser seule face à lui, énigmatique, et par la même, comme l’écriture abstraite de Miro, face à des peintures éminemment poétiques, humblement ludiques.

K. S. Kulkarni (1916-1994), Untitled, Acrylic on board, 21,25x29 in (53,98x73,66 cm)

K. S. Kulkarni (1916-1994), Untitled, Mixed media on board, 24x24 in (60,96x60,96 cm)

Krishna Shamrao Kulkarni (1916-1994)
Born in Belgaum, Karnataka.

Degree from the J.J. School of Art, Bombay (1942)
Founding member of Triveni Kala Sangam, Delhi's art institute (1948).

Kulkarni appeared on the turbulent artistic scene of the 1940s with the Progressive Group of Calcutta, the Progressive Artists group in Bombay, and the new generation of artists, "Delhi Shilpi Chakra" (1947) of which he was the founder and President.

A prolific painter, Kulkarni used many different mediums, including sculpture, exploring all styles and making frequent incursions into the Eastern and Western artistic traditions.

Kulkarni combines the abstract and figurative in an innovative and diverse way. A virtuoso draftsman and colorist, with a few light strokes of the brush he creates an aura of light on monochrome geometrical or cubist shapes, vigorously drawn.
His works emit a remarkable emotional vibration, a feast for the eye and a challenge to the spirit.

Kulkarni's abstraction is amnesic. It is not an art of quotes. Influences are not obvious. The painted rhythms are simultaneously tattoos by the Adivasi, the tribal populations of India, as well as born from modern Western art. His work loses us, takes us far from our references to leave us alone with the artist, enigmatic, and thus, like the abstract style of Miro, face to face with eminently poetic, quietly playful paintings.

Expositions :
Expositions internationales a Tokyo, Paris, New York, Venise, Sao Paulo et Londres
La 1ere solo, All India Fine Arts & Crafts,Society (1945)
1949 International Art Exhb., London.
1951 Arthur Newton Gallery, New York.
1952 55, 59, 61, 62 Kumar Gallery, New Delhi.
1954, 55, 57, 59 Silpa Chakra Art Gallery, New Delhi.
1957-58, Franz Bodair Gallery, Washington.
1958 Atelier Art Gallery, Kahira.
1958 Batumal Foundation, Honolulu.
1958 Danber Gallery, New York.
1959 World House Gallery, New York.
1959 Modern Art Centre, Zurich.
1959 Antonio Soja Gallery, Mexico.
1959 International Exhb., Japan.
1959 Sao Paulo Biennale, Brazil.
1959 Indian Painter, organisee par East Europe Federation of Arts, USA.
1968 Max Mueller Bhavan, New Delhi.
1970 Saratoga Springs Chamber of Commerce, New York.

Recompenses :
1947 Bronze Medal, International Exhb., London.
1955, 62, 65 National Award, Lalit Kala Akademi, New Delhi.
1982 Fellow, Lalit Kala Akademi, New Delhi.

Haren Das

2007-10-31T06:13:00.001-07:00

Haren Das (1921-1993)

Né à Dinajpur Bengladesh.
Diplômé du College of Arts and Crafts, Calcutta.(1944)

Haren Das est considéré comme l’un des meilleurs graveurs indiens de la période pré et post Indépendance. Il a posé les fondations de l’enseignement de l’estampe et de l’art graphique en Inde devenu l’un des moyens majeurs d’expression à travers tout le sous-continent.
Les bois gravés du West Bengal, par leur force graphique tout en contraste et leur inspiration issue des mythologies quotidiennes, tout comme la Biennale de l’estampe de Bhopal, internationalement reconnue, témoignent de cette caractéristique identitaire. L’œuvre de Jitish Kallat, l’un des artistes contemporains Indiens les plus en vue sur la scène internationale, semble directement s’inspirer formellement des rythmes graphiques de la gravure sur bois et de la linogravure.

Enseignant dévoué durant la période la plus créatrice de sa vie, Haren Das a pratiqué la gravure sur bois, la lithographie, la pointe sèche, la linogravure, l’eau-forte et l’aquatinte.
Son sujet de prédilection fut celui des villageois au travail dans le Bengale rural. Scènes pastorales, fermiers labourant les champs, enfants jouant… tous les protagonistes viennent des échelons les plus bas. L’art de Haren Das est clairement un hommage à leur existence simple et silencieuse.

Haren Das (1921-1993), Water Lily, 1990, Linocut on paper, 7x13,75 in (17,8 x 34,9 cm)

Haren Das (1921-1993), Untitled, Woodcut print on paper, 12,75x9,5 in (32,38x24,13 cm)

Born in Dinajpur, Bangladesh.
Degree from the College of Arts and Crafts, Calcutta (1944)

Haren Das is considered one of the best Indian printmakers from the pre- and post-Independence period. He laid the foundations for teaching in engraving and the graphic arts in India, which have become one of the most important means of expression throughout the sub-continent.
Woodcuts from West Bengal, with their strong graphic design based on contrasts inspired by mythology of everyday life, as well as the internationally recognized Print Biennale of Bhopal, bear witness to this strongly Indian characteristic. The work of Jitish Kallat, one of the contemporary artist most in view in the international art scene, seems to have been directly inspired by the graphic rhythms of woodcuts and linocuts.
A devoted teacher during the most creative period of his life, Haren Das practiced woodcuts, lithography, metal point, linocuts, etching, and aquatint. His favorite subject was villagers at work in rural Bengal. Pastoral scenes, peasants ploughing their fields, children playing… all his protagonists are from the lowest segments of society. The art of Haren Das is clearly a homage to their simple, silent existence.

Littérature
‘Haren Das : Printmaker Par Excellence’ Sandip Sarkar, Mai 2007

Expositions
Academy of Fine Arts, Calcutta, 1950
Retrospective Heritage Gallery, New Delhi, 1983
Retrospective The Alternative Art Gallery, Calcutta, 1998
Retrospective Right Lines Art Gallery, Bangalore, 1999.
International Graphics Art, Leipzig, Tokyo, Osaka, Italy, Norway, China, Australia and Switzerland.
‘Manifestations’ Delhi Art Gallery, World Trade Center, Mumbai and Delhi Art Gallery, New Delhi, 2003.
‘Manifestations II’ Delhi Art Gallery, Jehangir Art Gallery, Mumbai and Delhi Art Gallery, New Delhi, 2004.

Collection
Art Heritage, New Delhi. National Gallery of Modern Art, New Delhi. Delhi Art Gallery, New Delhi.
Recompenses
1949,50,54 Gold Medal, Academy of Fine Arts, Calcutta.
1949,55 Gold Medal, Hyderabad Art Society, Hyderabad. 1950,51,58 Gold Medal, Shilpa Kala Parishad, Patna.
1958 Gold Medal, Society of Painters, Madras.
1986-87 Akademi Award, given by West Bengal State Akademi of Art, Music and Dance, Calcutta.
Received Honour from Rabindra Bharati University, Calcutta. 1989 Received `Abanindra Puraskar`, Govt. of West Bengal.

Indra Dugar

2007-10-31T04:27:00.000-07:00

Indra Dugar (1918-1989)

Né à Jiaganj, Ouest Bengale

Peintre autodidacte, Dugar a étudié sous la tutelle de Nandalal Bose.

La nature, simple support au thème central dans la peinture traditionnelle Indienne devient le sujet de la composition des œuvres modernes. De Raja Ravi Varma à Rabindranath Tagore, l’art Indien s’émancipe et se libère progressivement, d’une part, d’un héritage pictural anglais fortement lié à la manifestation du paysage dans l’art, et d’autre part, de ses influences chinoises et japonaises. L’anthropophagie culturelle, inventée par Oswald de Andreade pour décrire la spécificité culturelle brésilienne, s’applique en partie également à l’Inde déjà connu pour sa capacité à faire de toutes les religions siennes. De même que Jésus ou Bouddha peuvent intégrer le panthéon des dieux Hindous, toutes les influences culturelles extérieures deviennent composantes de l’art moderne Indien.
La modernité de l’art indien n’est pas exclusivement celle de la nouveauté, seule dévotion à l’idée de progrès, mais aussi celle de l’interprétation.
Dugar, reconnu comme l’un des plus grands peintres paysagistes de l’Inde moderne, a enrichi la tradition picturale de ses compositions fraîches et éclatantes. Le souci du détail vient de l’art de la miniature. La netteté élargie à l’ensemble de la composition s’inscrit dans la tradition de la fresque murale. La puissance de la couleur et la vaste diversité des tonalités puisent ses racines dans les caractéristiques géoclimatiques de l’Inde. Souci du détail, perspectives à la profondeur de champ illimité (comme purifiées par la mousson), infinis associations de couleurs des plus éclatantes aux plus sourdes caractérisent cette oeuvre.

Indra Dugar (1918-1989), Untitled 1965, 13,5x20 in (34,29x50,8 cm)

Born in Jiaganj, West Bengal

A self-taught painter, Dugar also studied with Nandalal Bose.

Nature, the simple support to the central theme of traditional Indian painting becomes the subject of modern compositions. From Raja Ravi Varma to Rabindranath Tagore, Indian art has emancipated itself, throwing off the English pictorial heritage strongly linked to landscape in art, and Chinese and Japanese influences. The cultural cannibalism invented by Oswald de Andreade to describe the Brazilian cultural context is partially applicable to India, already known for making all other religions its own. Just as Jesus or Buddha can integrate the pantheon of Hindu gods, all outside cultural influences become components of modern Indian art.
The modernity of Indian art is not only that of the innovative, only devoted to the idea of pgoress, but also to that of interpretation. Dugar, recognized as one of the greatest landscape painters in modern India, has enriched the visual tradition with his fresh, bright compositions. Attention to detail comes from the art of miniature painting. Clear details broadened to the composition as a whole is part of the tradition of mural painting. The power of color and vast range of tones is rooted in the geoclimatic conditions of India. Careful of detail, unlimited perspectives (as if purified by the monsoon), infinite combinations of the brightest to the dullest colors are characteristic of his work.

Expositions:
1945 Academy of Fine Arts, Calcutta.
1946 United Kingdom.
1946 ‘International Modern Art’, organisee par l’ UNESCO, Paris.
1949, 75 Solo., Calcutta.
1954, 65, 77 Jiaganj, Murshidabad.
1955, 56 Exposition ‘Indian Art’ organisee par Lalit Kala Akademi, Czechoslovakia, Romania and Bulgaria.
1959 Solo, New Delhi.
1964 Solo sponsorisee par Lufthansa and Deutschewelle, West Germany.
1968 Kala Bhavan, Santiniketan.
2004 ‘Manifestations II’, organisee par Delhi Art Gallery, Jehangir Art Gallery, Mumbai & Delhi Art Gallery, New Delhi.
2005 ‘Manifestations III’ Delhi Art Gallery, Nehru Center, Mumbai and Lalit Kala Akademi, New Delhi.

Travaux de commission importants à son crédit, par exemple les peintures murales du Parlement, New Delhi; l'Hôtel Oberoi Grand, Calcutta.
Collection publique : National Gallery of New Delhi